27 febrero 2009

Mes de la Música en Sevilla

Montaño respalda el Mes de la Música
Jose Gallego Espina

El Instituto de la Cultura y las Artes del Ayuntamiento (ICAS) bendijo ayer la unión de las cuatro principales salas de conciertos de la ciudad (Malandar, Sala Q, Microlibre y Fun Club) y se mostró dispuesto a apoyar su proyecto de crear un certamen anual dedicado a la música, similar al Mes de la Danza o al Festival de teatro.

La directora de Cultura, Paz Sánchez, y el responsable de Malandar, Julio Moreno, acordaron durante su reunión la inclusión de estos cuatro locales en el Foro de Agentes Culturales, donde se diseñan las líneas estratégicas de la política cultural de la ciudad, así como la promoción de sus conciertos dentro de la revista municipal Sevilla DC.

El ICAS les explicó también que pueden optar de forma individual a las ayudas anuales que convoca el Ayuntamiento –a la actividad y a las inversiones en infraestructuras–, ya que, hasta ahora, sólo la Sala Q había concurrido a estas convocatorias de subvenciones.

En cuanto a la creación de un festival anual, que podría denominarse Mes de la Música –principal y más ambicioso proyecto de estos empresarios–, la directora de Cultura les trasladó el apoyo del ICAS y les pidió un informe detallado sobre esta propuesta.

La delegada de Cultura, Maribel Montaño, añadió ayer a este respecto que ha acogido con bastante interés esta iniciativa, que “enriquecerá nuestra oferta cultural”. “Sevilla está reconocida por la Unesco como Ciudad de la Música, por lo que el Consistorio podría concertar este festival, como ya hace con otros de iniciativa privada”. En este sentido, apuntó que aunque son los empresarios quienes deben proponer las fechas de esta nueva actividad, el ICAS vería con buenos ojos que se desarrollara en primavera u otoño.

El representante de las salas, Julio Moreno (Malandar), avanzó ayer que aunque todavía están estudiando las fechas más idóneas, su intención es celebrar el Mes de la Música entre el próximo octubre y mayo de 2010. La entrada a las actuaciones que se organizaran en las cuatro salas sería gratuita y, además, los conciertos abarcarían todos los estilos musicales. Finalmente, otra parte importante del Mes de la Música consistiría en organizar jornadas de música en la calle, sacando disjokeys a las plazas de la ciudad.

Pocos beneficios para películas que triunfan

Hollywood cierra el grifo

Crisis. El cierre de las filiales independientes de las grandes productoras pone en guardia al cine más arriesgado

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Los hermanos Coen con George Clooney durante el rodaje de 'Burn after reading'. - AGENCIAS
CARLOS PRIETO - MADRID - 27/02/2009 08:00

Danny Boyle es un hombre afortunado. Su película Slumdog Millionaire arrasó el pasado domingo en los Oscar, en una ceremonia que podía haber visto por la tele sin nada en juego. En efecto, en mayo de 2008 cerró la compañía encargada de producir el filme, Warner Independent, filial independiente de la major estadounidense. Tras el cierre, el filme de Boyle estuvo a punto de estrenarse directamente en DVD y de no poder competir en los Oscar. Finalmente, el filme de Boyle fue salvado de la quema por Fox Searchlight.

"Al principio pasaron cosas que indicaron que el proyecto terminaría en desastre y que después nos beneficiaron. En India lo explican como un designio del destino", ha dicho Boyle. La realidad, no obstante, indica que lo que está ocurriendo en Hollywood, el cierre de las filiales independientes de las majors, tiene poco que ver con el destino y mucho con el solapamiento de dos crisis: la económica y la del cambio en los modos de consumo y explotación.

El equipo que produjo No es país para viejos ha sido desmantelado

Todo empezó a gestarse en la gala de los Oscar del año pasado. Justo en el momento en que Javier Bardem y los hermanos Coen recogían sus Oscar y, paradójicamente, parecía que las cosas no podían ir mejor para el cine independiente. No es país para viejos se llevó el Oscar a la mejor película batiendo a Pozos de ambición (Paul Thomas Anderson, 2007), que se tuvo que conformar con, entre otras, la estatuilla al mejor actor para Daniel Day-Lewis. Ambas películas habían sido coproducidas por Paramount Vantage, división independiente de Paramount. Surgida, como muchas otras filiales, al calor de la explosión del cine independiente en los noventa, cuando los grandes estudios buscaban desesperadamente al nuevo Quentin Tarantino, Paramount Vantage se creó con el objeto de financiar películas de autor que pudieran triunfar entre el gran público, filosofía plasmada en proyectos como Las vírgenes suicidas (Sofía Coppola, 1999) o Bloody Sunday (Paul Greengrass, 2002).

Las cuentas no salen

Pese al éxito, ni No es país para viejos ni Pozos de ambición dieron beneficios a la compañía. Entre otras cosas porque los productores se fundieron 45 millones de dólares sólo en la promoción de Pozos de ambición, filme que recaudó 40 millones en EEUU y cuyo rodaje costó 25 millones. Llovía sobre mojado: en los últimos años sólo Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006) había dejado beneficios en las arcas de Vantage.

Así que, pese a arrasar en los Oscar, Paramount decidió desmantelar su semi autónoma división independiente, aunque mantuvo la marca para continuar produciendo filmes bajo ese nombre. Y no fueron los únicos. Time Warner redujo a la mínima expresión a New Line que había financiado títulos emblemáticos del indie como Boogie Nights (PaulThomas Anderson, 1997) o A propósito de Schmidt (Alexander Payne, 2002) y cerró Picturehouse.

Los nuevos bárbaros

Para comprender la importancia de estos cierres es necesario recordar la historia de los cineastas surgidos al mismo tiempo que estas filiales: los nacidos después de 1960, que debutaron tras el estreno del gran hito independiente de los noventa: Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992). Hablamos de los miembros de la, llamémosla, Generación del 99.

La generación de Fincher y Anderson puede empezar a tener problemas

Y es que, 1999 fue un gran año para el cine estadounidense. Ese año se estrenaron Magnolia (Paul Thomas Anderson), El club de la lucha (David Fincher), Election (Alexander Payne) y Cómo ser John Malkovich (Spike Jonze). Es decir, que asistimos a la puesta de largo de una nueva hornada de cineastas P.T.Anderson (1970), Wes Anderson (1969), David Fincher (1962), Alexander Payne (1961) o Spike Jonze (1969) destinados a ocupar el espacio dejado por la anterior gran generación: la formada por Martin Scorsese (1942), Francis Ford Coppola (1939) o George Lucas (1944). Es decir, los protagonistas de la última edad dorada de Hollywood, los hombres que lograron que la industria se plegara a sus exigencias artísticas en los setenta.

En efecto, la Generación del 99 aspiraba también a compaginar ambiciones artísticas y rendimiento comercial. Eran la gran esperanza de Hollywood, los responsables de que la industria produjera algo más que blockbusters, los héroes, en definitiva, del cine adulto.

Y cumplieron su cometido. La Generación del 99 parió algunos de los filmes más audaces del Hollywood del siglo XXI, recibió el beneplácito de la crítica y fue jaleada por el sector menos conformista. Y el cine indie creció y creció: el comité de selección del festival de Sundance visionó 5.000 películas el pasado invierno. Nada menos que diez veces más que hace una década.

Apocalipsis, no

"Hollywood no se limitó a echar sus redes en el indie, sino que se dejó impregnar por su sensibilidad. Detrás de las superproducciones de superhéroes están Sam Raimi, Christopher Nolan o Peter Berg.Todos vienen del cine independiente. En efecto, el indie de ayer es el establishment del mañana", cuenta el crítico John Patterson. "Nombres como los Coen, Tarantino, P.T. Anderson o Michael Moore han tenido un impacto enorme en la cultura del cine estadounidense y en su industria", añade Geoff Gilmore, director de Sundance hasta hace unos días.

Sí, pero, ¿seguirán influenciando ahora que no sobra el dinero? Según el productor independiente Ted Hope (21 gramos) no hay razones para ponerse apocalíptico: "No hay una crisis del cine indie. El país y la economía están en crisis. El negocio también, pero para nosotros es bueno que esté cambiando". Quizás porque, como explicaba Gilmore en un artículo publicado en Indiewire, crisis y cine independiente van de la mano: "La historia del cine indie es la historia del cambio permanente".

Pero hay mucho en juego. P.T. Anderson se ganó el derecho a decidir el montaje final de sus filmes antes de cumplir 30 años, algo que Scorsese tardo en alcanzar veinticinco años. "Sí, no es normal", afirmó durante la promoción de Magnolia. "Pero la idea es que cuando lo logras es para siempre". ¿Se tendrá que tragar sus palabras? B

Los límites del modelo de las divisiones independientes

¿Eran las filiales independientes un negocio altruista? Por supuesto que no. De hecho, no deberían llamarse independientes. No olvidemos que Warner Independent era un división de Warner Brothers, que a su vez es una división del conglomerado de medios de comunicación Time Warner. Por su parte, Paramount Vantage era una división de Paramount Pictures, propiedad de la corporación Viacom. Vamos, que de independiente tenían muy poco, aunque eso no significa que los filmes que financiaban fueran malos.

¿Producían al menos cine underground? Muchos de los éxitos ‘independientes’ de los últimos diez años fueron financiados en realidad por los grandes estudios de Hollywood a través de sus filiales independientes. En opinión del crítico Roberto Piorno, los grandes estudios han utilizado esta estrategia para ahorrarse unos cuantos duros. En efecto, si la película es considerada ‘indie’ vale menos dinero hacerla. Así, los grandes estudios colocarían la etiqueta independiente a productos que, en otros tiempos, hubieran sido financiados directamente por las ‘majors’.

¿Las echaremos de menos? Con todos sus límites, el modelo ha propiciado algunas de las mejores películas estadounidenses de la década, aunque, eso sí, la taquilla de EEUU sigue dominada por ‘remakes’, sagas y adaptaciones de series de televisión. Parece claro que los cineastas del 99 cada vez tendrán más problemas para financiar sus películas. ¿Se verán obligados a involucrase en proyectos más modestos? ¿Se acabarán plegando a los intereses comerciales de la industria? ¿Toca ponerse a rezar?

¿Quién paga las películas de Tarantino?

Vuelve el hombre. Quentin Tarantino ultima estos días el montaje de su filme sobre la II Guerra Mundial, ‘Inglorious Basterds’, para que esté listo para el Festival de Cannes. El filme se estrenará en todo el mundo el 21 de agosto. La producción corre a cargo de los hermanos Weinstein, que llevan financiando la carrera de Tarantino desde su debut con ‘Reservoir Dogs’; primero a través de Miramax y ahora mediante The Weinstein Company. No obstante, como la cosa no está para asumir excesivos riesgos, los Weinstein han firmado un acuerdo con Universal Pictures para compartir los gastos de ‘Inglorious Basterds’. No es la primera vez, claro, que se cofinancia un filme, pero la práctica se ha extendido últimamente.

Art "Comic" Spiegelman

La terapia gráfica del autor de Maus


Art Spiegelman (Estocolmo, 1948) se enfrentó a un "puñado disperso de breves tiras autobiográficas" reunidas en 1978 bajo el título Break-downs, como una secuencia de relatos listos para hurgarse en sus dolores

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La terapia gráfica del autor de Maus
La página epílogo de Breakdowns, de Art Spiegelman. - Xalok
PEIO H. RIAÑO - 27/02/2009 08:00

Dice que no suele confundir el arte con la terapia y al hacerlo no consigue más que confirmar que una parte muy importante de su carrera ha servido para coser una herida que supura desde su infancia. Art Spiegelman (Estocolmo, 1948) se enfrentó a un "puñado disperso de breves tiras autobiográficas" reunidas en 1978 bajo el título Break-downs, como una secuencia de relatos listos para hurgarse en sus dolores: "En 1969 (después de un año caótico que incluyó una crisis nerviosa en un hospital psiquiátrico, la expulsión de un colegio universitario, el suicidio de mi madre y un intento especialmente desastroso de vida en una comuna), volví a Binghamton para recuperarme", escribe en las últimas páginas del libro el propio dibujante.

Recorre toda su vida y obra en el cómic Breakdowns inédito en España

Fue entonces cuando dejó de lado las historias de violencia underground, sexo y drogas. Fue el momento de plantearse las primeras páginas de una obra que cambiaría el destino de la incipiente novela gráfica: Maus. El cómic, que cuenta la supervivencia de sus padres polacos en el campo de concentración de Auschwitz, recibió en 1992 el Premio Pulitzer.
Pero fue en 1972 cuando dibujó las tres primeras páginas del libro protagonizado por ratones que representan a los judíos, gatos a los alemanes o cerdos a los polacos. Sin embargo, no eran buenos tiempos para recordar el genocidio nazi. Tuvo que esperar a 1980 para desarrollar durante once años la trágica memoria familiar en viñetas.
Breakdowns, al margen de los experimentos alucinógenos influidos por Robert Crumb y recogidos en las historietas de finales de los sesenta, es la explicación a las causas que hicieron posible el nacimiento de Maus.

Art Spiegelman se somete al arte como terapia desde la primera viñeta

Ahora entendemos la importancia de la compilación de esas pequeñas fábulas, pero un año antes de su salida a la calle tuvo que hacer frente a la muerte de Elvis Presley, a la locura de su editor por invertir todo el dinero en libros con ilustraciones a tamaño póster del ídolo y a la resultante ruina. Todo se paró hasta que un proveedor de libros de bondage y pornografía animó al impresor a hacer su tarea con un explícito: "No entiendo ni dos terceras partes de la mierda de este libro, pero alguien capaz de hacer la historieta Maus y la del suicidio de su madre, se merece una oportunidad".
Manifiesto incondicional
Empezaba la carrera de Art Spiegelman. La revista Raw le ofreció un espacio para publicar por entregas el material definitivo de lo que terminaría siendo el Maus que hoy conocemos. Es por eso por lo que para Breakdowns supone para el autor un "manifiesto, un diario, una nota de suicidio arrugada y, a la vez, una importante carta de amor a un medio que adoro".
Art Spiegelman no se da tregua. Aunque no sea un personaje incapacitado para la alegría, sino un ser arruinado por la imposibilidad de una vida alegre, el autor sobrevive gracias a su pequeña utopía: la inadaptación y el dolor, llega a decirnos, se combaten con mucha fantasía. Por eso es capaz de dibujarse a sí mismo entre rejas, gritando: "Pues si estás escuchando, mamá ¡Enhorabuena! Has cometido el crimen perfecto".

Moviendo los hilos de Hollywood

Mi amigo Harvey Weinstein

El fundador de Miramax maneja los hilos del nuevo Hollywood - Penélope Cruz y Kate Winslet citaron al magnate en sus agradecimientos al recibir el Oscar

GREGORIO BELINCHÓN - Madrid - 27/02/2009

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Cuando a Harvey Weinstein algo se le pone entre ceja y ceja, sólo su propio y enorme ego puede pararle. "Yo, desde luego, he recibido toda una lección de promoción. En esto Harvey es muy bueno", confesaba Penélope Cruz la tarde antes de los Oscar. Se refería a que había multiplicado sus encuentros con gente de la industria, con potenciales votantes de la estatuilla. Por ejemplo, la noche antes de los premios Bafta, en Londres, la madrileña asistió a una cena preparada por Weinstein en la que éste la presentó como su nueva musa, su nueva Gwyneth Paltrow.

La noticia en otros webs

Se le ha acusado de pagar a publicistas para ganarse a los académicos

"Es la interpretación del año", dijo en la alfombra roja sobre la madrileña

Weinstein, ex fundador y presidente junto a su hermano Bob de Miramax, es actualmente el responsable de The Weinstein Company. Y con ella ha distribuido en Estados Unidos Vicky Cristina Barcelona y coproducido The reader. O lo que es lo mismo, las dos actrices oscarizadas, Cruz y Kate Winslet, deben parte de su galardón a las artes para el marketing de este viejo zorro de la industria cinematográfica. Once días antes de los galardones organizó un almuerzo en Nueva York, presidido por el cazanazis Elie Wiesel, con 100 invitados para convencer a los votantes dudosos y acallar a quienes decían que The reader era blanda con el Holocausto.

Porque para trapicheos y presiones en los Oscar, nada mejor que un Weinstein. Su departamento de prensa estaba detrás de la campaña que aseguraba que había malpagado a los niños de Slumdog millionaire o que el filme de Danny Boyle había provocado una ola de odio en la India. Y la biografía de este neoyorquino de 56 años está repleta de esas tácticas. Para el gran público, Weinstein es uno de los inventores del mito del cine indie, el movimiento que lanzó a las carteleras a Steven Soderbergh, Todd Haynes o Tarantino. Su carrera comenzó cuando fundó junto a su hermano Bob la compañía Miramax -bautizada así por sus padres, Miriam y Max- a inicios de los ochenta. La empresa fue creciendo gracias a la distribución de filmes de arte y ensayo hasta la campanada de Mi pie izquierdo y Cinema Paradiso. Aquel 1989, Weinstein puso al director Jim Sheridan a promocionar Mi pie izquierdo entre los veteranos de Hollywood, que entonces eran los más numerosos votantes de los Oscar, e incluso consiguió que Daniel Day-Lewis, protagonista, declarase ante el Senado a favor de la Ley de Discapacitados.

Desde ese momento, Miramax, convertido en el estudio independiente más poderoso de la industria con filmes como Pulp fiction, Clerks o Sexo, mentiras y cintas de vídeo, también fue el que sacó más rentabilidad económica a las estatuillas y fue el primero en enviar cintas de vídeos de filmes indies y extranjeros. El publicista Mark Urman recuerda: "Montaban pases hasta en la Motion Picture Retirement Home, la residencia de retiro en la que viven miembros de la Academia".

En 1999, año en que Miramax llegó a los Oscar con Shakespeare enamorado y La vida es bella, la crítica de cine Nikki Finke escribió en la revista New York: "Miramax paga a un ejército de veteranos publicistas, curiosamente miembros de la Academia, no para generar cobertura periodística, sino para meterse en el bolsillo a sus colegas de la Academia. Los indies gastan hasta 250.000 dólares; los grandes estudios, dos millones... En la campaña de Shakespeare enamorado gastaron cinco millones". Y eso incluía ataques sucios contra su gran rival, Salvar al soldado Ryan. Aquella gala de los Oscar fue su noche de gloria, con siete estatuillas para Shakespeare... -incluido el galardón para su musa Gwyneth Paltrow- y tres para La vida es bella. Las malas artes se repitieron años después con En la habitación, y los exabruptos contra Una mente maravillosa. Su estrella se apagó cuando, tras haber vendido Miramax en 1993 a Disney para conseguir dinero fresco -aunque manteniendo su independencia- fue despedido de Miramax en 2004. La publicación del libro Sexo, mentiras y Hollywood, de Peter Biskind, en el que describía sus mañas, tampoco le ayudó. Meses más tarde fundó The Weinstein Company, con la que volvió a la carga.

Hasta hoy. Weinstein es famoso por machacar a sus directores y por presionar hasta el límite a sus compañeros productores. Según Newsweek, agobió en su lecho de muerte a Sydney Pollack y dio la lata a la viuda de Anthony Minghella en el funeral del primero. Ambos eran productores de The reader. "A mí me ha jodido Weinstein". El domingo, en la alfombra roja de los Oscar, Isabel Coixet respondía así entre risas a si se sentía parte de la estatuilla de Penélope Cruz, por haber dirigido a la chica en Elegy. Para un académico de Hollywood, un filme inexistente. Minutos después, Weinstein se acercó a charlar con EL PAÍS y con su mirada directa dijo: "Penélope crece cada día, ha hecho la mejor interpretación del año y se merece el Oscar. Es amiga mía desde hace 12 años y os va a llevar la estatuilla a España este año". En 15 segundos, el mejor mensaje publicitario.

Talento en femenino


Publicado Viernes, 27-02-09 a las 04:32
Cuando otras iniciativas desaparecen del panorama o reducen su presencia, el festival «Ellas crean», que alcanza su quinta edición, se reafirma y crece en cantidad y calidad. Desde el 2 de marzo al 16 de abril, el evento presentará las propuestas —de una docena de disciplinas— de casi un centenar de creadoras, entre las que se encuentran algunas de las artistas más sobresalientes de su género: desde la mezzosoprano italiana Cecilia Bartoli, una de las grandes divas del momento, encargada de cerrar el cartel en el Teatro Real con un programa sobre Rossini, a la británico-francesa Jane Birkin, que lo abrirá el próximo lunes en el Teatro Rialto.
Entre estos dos nombres, un caudal de talento procedente de distintos ámbitos —música, cine, literatura, danza, poesía, teatro, moda—, países (Turquía, Grecia, Holanda, Alemania, Inglaterra, México...), y generaciones se encargará de nutrir, aún más, una programación rica en mestizajes, que ha contado con un presupuesto de 350.000 euros.
Promovido por la Presidencia del Gobierno, con la colaboración de los Ministerios de Igualdad —que debuta en esta edición— y de Cultura, la cita, que se suma a las celebraciones por el Día de la Mujer, fue presentada ayer por ambos ministros. «Ojalá no hiciera falta el 8 de marzo», enfatizó Bibiana Aído, para quien el festival «Ellas Crean» representa «una declaración de principios, porque durante muchos siglos las mujeres no pudieron crear, y las que sí lo hicieron, lo tuvieron que ocultar». Y recordó aquellos lugares donde todavía no es posible. Por ello, señaló el importante papel de la cultura y la creación a la hora de lograr la igualdad entre hombres y mujeres. «Es la puerta a una vida completa». Una tarea «que no es excluyente», y en la que debemos participar todos. Para la ministra de Igualdad, esta iniciativa sirve para «democratizar la excelencia» y es un «altavoz de la diversidad». «“Ellas Crean” —añadió— es el escaparate del talento».
Por su parte, el ministro de Cultura, César Antonio Molina, afirmó que este festival es «una cita ineludible de la vida artística», que no tiene equivalente en Europa, y en la que participa «todo el tejido cultural de la ciudad».
El director artístico, encargado de diseñar la programación, Luis Martín, además de enumerar la asistencia de artistas como Russian Red, Savina Yannatou, Sheila Chandra y la cantaora Carmen Linares, quiso destacar la presencia de las salas de música en vivo (más de una veintena), así como el mayor protagonismo del cine, para lo que se ha contado con la colaboración de la Academia de Cine y la Filmoteca, que proyectará un ciclo sobre grandes personajes femeninos. También se realizará una mesa redonda sobre el filme «Sólo quiero caminar», con Díaz Yanes, Ariadna Gil y Elena Naya; además de un encuentro, en el Instituto Cervantes, con Claudia Llosa, directora de «La Teta asustada», ganadora de la última Berlinale.
La literatura contará con una mesa redonda de escritores que hablarán sobre las mujeres; la danza, con un espectáculo protagonizado por Merche Esmeralda, Belén Maya, Rocío Molina y Diana Navarro. También se celebrarán mesas redondas sobre poesía, moda, así como varias exposiciones.

26 febrero 2009

Salas Unidas: Mes de la Música

Las salas de conciertos se unen y proponen crear un festival
Jose Gallego Espina
Las salas de música en directo que ofrecen conciertos de forma estable (Malandar, Sala Q, Microlibre y Fun Club) han decidido aunar esfuerzos a fin de sobrevivir en este complicado sector. Siguiendo el ejemplo de lo que en su día hicieron los teatros privados, estos cuatro establecimientos van a crear una red de locales para coordinar sus programaciones y van a proponer al Ayuntamiento crear un certamen anual: el Mes de la Música.

No se trata de una fusión, aunque están estudiando muy seriamente constituirse en asociación. Las cuatro salas más importantes de la ciudad ya han mantenido varias reuniones y han acordado formalizar las colaboraciones puntuales que hasta ahora venían manteniendo. De hecho, el responsable de Malandar, Julio Moreno, en representación de los cuatro locales, se reunirá hoy con la directora de Cultura del Consistorio, Paz Sánchez, a fin de presentarle este proyecto, demandarle apoyos y plantearle la creación de una cita anual que siga el modelo del Mes de la Danza o del Festival de Teatro.

La idea es programar durante un mes un gran número de conciertos que rotarían por estos locales, según avanzó a este periódico el responsable de Sala Q, Juan Manuel Martín, tras una reunión ayer de las cuatro salas.

Por su parte, Moreno (Malandar) explicó que espera que el Ayuntamiento reciba positivamente sus propuestas e indicó que los cuatro establecimientos aprovecharán su unión a la hora de concurrir a las convocatorias de subvenciones del Plan Director de Espacios Culturales. Asimismo, solicitarán al Consistorio apoyo a la hora de publicitar de forma conjunta los conciertos que organicen.

“Nuestra intención es que el Instituto de las Artes y la Cultura (ICAS) colabore con nosotros para promocionar a los artistas locales, que a veces sólo tienen nuestras salas como plataforma para poder darse a conocer. Al mismo tiempo, queremos mejorar el nivel de las actuaciones”, subrayó Moreno, quien recordó que “muchas veces hay grupos de primerísimo nivel que no pueden tocar en Sevilla por cuestión de 400 ó 500 euros, algo en lo que Cultura podría ayudarnos”.

Además de proponer un festival, pedir subvenciones y compartir los gastos de publicidad, Fun Club, Microlibre, Sala Q y Malandar confeccionarán sus programaciones de forma coordinada, de modo que cuando alguno de estos locales carezca de hueco para algún artista, se lo pasará a los otros.

Con la mirada puesta en un futuro menos inmediato, el propósito de estas salas, a las que mueve “el amor a la música” –según sus responsables–, es servir también de apoyo a los nuevos locales que nazcan en Sevilla.

Instrumentos étnicos en Murcia

Barranda (Murcia) acoge el museo de música étnica más importante de Europa

  • EFE, Murcia | hace 5 minutos | Comenta | Votar

La localidad murciana de Barranda acoge una de las mayores colecciones de instrumentos de música étnica del mundo y el más importante en su género en Europa e incluye instrumentos ancestrales como el 'Ruuhuitú', de los Yagua de la selva amazónica.

Otros dos museos están en proyecto ligados al director del museo de Barranda, Carlos Blanco Fadol, uno en Hellín (Albacete), cuna del tambor, que se abrirá a final de año, y otro en Uruguay, que albergará la mayor colección de instrumentos de caña y bambú del mundo.

Este musicólogo escogió Barranda, según cuenta en una entrevista con EFE, para mostrar al mundo su legado musical recabado en los cinco continentes porque en este pequeño pueblo se encuentra la tradición más antigua de música folclórica de España, la fiesta de las cuadrillas que se celebra el último domingo de enero.

Blanco Fadol, que en 2006 fue candidato a los Premios Príncipe de Asturias en la categoría de Artes, también lo fue en la categoría de Concordia a iniciativa del embajador de Malasia en España, posee 3.000 piezas de 150 países que abarcan desde el siglo III antes de Cristo, de las que 400 se exponen en el museo murciano.

El museo murciano acoge parte de la colección Blanco Fadol, el cual recibe desde hace años donaciones de instrumentos, la última el pasado día 12 procedente de Indonesia y consistente en una treintena de xilófonos construidos con bambú, algunos tan voluminosos que no caben en el museo y que conforman la denominada orquesta Jejog que utilizan los habitantes de Bali.

Entre las curiosidades que albergan este centro se encuentran instrumentos de magia y brujería, otros que inducen al estado de trance, y los realizados con huesos y piel humanos como el 'Kissar', una especie de guitarra del antiguo Egipto construida con una calavera y cuernos de cérvido.

El museo se construyó en los restos de un molino harinero de 1880 y sus visitantes pueden escuchar los instrumentos en pantallas interactivas, mientras que a los grupos escolares se les invita a tocar el "Himno de la Alegría" en el pequeño auditorio, en el que se les proyecta una película del viaje que realizó Blanco Fadol a la selva amazónica para encontrarse con los Yaguas y enseñarles a construir el 'Ruuhuitu'.

Los instrumentos más espectaculares son el Pinsa-Yu-Pa, proveniente de Myanmar (Birmania), de madera de teca recubierta con finas plaquetas de oro de 24 quilates; el Kentongán Real, del siglo XVIII, un enorme tan-tan de madera flanqueado por cabezas de dragones; el Gamelán, una orquesta de Java donada por el gobierno indonesio que constituye la agrupación instrumental más espectacular conocida y que se ejecuta con una veintena de personas.

También está el Gu, un gigantesco tambor chino de casi cuatro metros de altura; el Kentong Kayu, un totem con forma de mujer pariendo que suena percutiendo un abultado vientre con dos percusores, o el vaso llorón mejicano utilizado para velar a los muertos.

Rigoberta Menchú reconoció su labor de difusión de la cultura musical de los pueblos indígenas de Latinoamérica, y Vicente Ferrer su trabajo en Anantapur con los niños huérfanos de su fundación.

A vueltas con el Centro Nacional de las Artes Audiovisuales

El proyecto maldito de Cultura

El ministerio desestima la concesión del proyecto para el Centro Nacional de Artes Visuales a los arquitectos Nieto y Sobejano y se convoca un nuevo concurso

M. JOSÉ DÍAZ DE TUESTA - Madrid - 26/02/2009
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La cosa empezó mal y, al final, ha encallado con estrépito. El Centro Nacional de Artes Visuales (CNAV) -que habrá de acoger los futuros museos del cine y de la fotografía en el antiguo edificio de Tabacalera de Madrid- tendrá que sufrir otra demora más, tras la decisión del Ministerio de Cultura de desestimar la concesión del proyecto al estudio de arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano. Todo un freno y marcha atrás en el que sin duda es uno de los proyectos-estrella de la legislatura, presupuestado en 30 millones de euros.
Los colegios de arquitectos habían denunciado el proceso de selección
Cultura aprobó y anunció a los medios de comunicación la concesión del proyecto a Nieto/Sobejano el pasado mes de noviembre, pero ya entonces recibió un importante varapalo: el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España (CSCAE) impugnó la adjudicación del proyecto de rehabilitación por no haberse respetado "las mínimas exigencias de transparencia y equidad".
La arquitecta Fuensanta Nieto dijo sentirse "impresionada" de que fuera este periódico el que le diera la noticia ayer cuando se le llamó para recabar su opinión sobre esta nueva convocatoria: nadie desde el ministerio se lo había notificado. "Ni el día que se presentó nuestro proyecto, ni en ningún otro momento", dijo, tuvo la menor duda de que sería su estudio el que llevase a cabo el proyecto de rehabilitación. "Entenderá que después de varios meses trabajando en él, de julio a octubre, ni nosotros ni el resto de equipos convocados dudamos de que el proyecto elegido iba a ser el que finalmente se construiría", lamentó Nieto.
Poco margen le quedaba al ministro César Antonio Molina para enderezar este espinoso asunto. El Consejo de Colegios de Arquitectos estaba dispuesto a llevar el caso a los tribunales y acudir a la vía penal. El plazo límite para hacerlo efectivo concluía mañana. Pero llegó la rectificación. Y ayer mismo, el CSCAE recibía una carta del ministerio en la que le comunicaba que se había ordenado a Segipsa (sociedad pública mercantil dependiente del Ministerio de Economía y Hacienda, encargada del procedimiento de adjudicación) "la inmediata convocatoria de un concurso público para adjudicar el proyecto básico, el de ejecución y el de dirección".
La alarma saltó el pasado 13 de noviembre cuando César Antonio Molina presentó a los medios de comunicación -en los salones del ministerio y en presencia de los arquitectos elegidos- la adjudicación del proyecto. Cultura había convocado, según explicó entonces el ministro, "a siete equipos de arquitectos españoles de probado prestigio y dilatada experiencia, a presentar una propuesta arquitectónica y urbanística que luego fue analizada por una comisión de valoración, resultando de dicha actuación la selección de la propuesta".
Pero el Consejo consideró desde el principio que ese procedimiento negociado no se ajustaba a la ley, ya que no hubo ningún tipo de concurso, ni abierto ni restringido, sino "una convocatoria por invitación directa". El CSCAE mostró su "rechazo a este tipo de adjudicaciones directas, que vulneran los principios de publicidad, concurrencia, transparencia e igualdad". Basó su recurso en dos incumplimientos por parte de la sociedad Segipsa: el principio de publicidad (los anuncios de convocatoria y adjudicación deben ser insertados en el Diario Oficial de la UE y en la página de Internet de Segipsa, en el apartado "Perfil del contratante") y el de procedimiento. Éste puede ser abierto (una convocatoria a todos los arquitectos titulados, que en España son alrededor de 50.000) o restringido: convocar a unos determinados profesionales a quienes previamente se les solicita unos requisitos concretos, como su solvencia técnica y profesional, y nada de eso se cumplió, según explicó entonces el consejo. De hecho, los siete equipos (cuya competencia y prestigio nunca han estado en entredicho) contactados por Cultura fueron invitados mediante un correo electrónico sin más preámbulo.
En la carta de ayer anunciando la nueva convocatoria no se especifica si el concurso va a ser público o restringido. El Consejo de Arquitectos prefiere que sea abierto y "supone" que así va a ser. El concurso restringido es, en todo caso, una opción permitida por la ley. El nuevo concurso convocado ahora por Cultura contará con un jurado, y con la participación de profesionales ajenos a los ministerios de Cultura y Economía y Hacienda..., cosa que en la anterior convocatoria también brilló por su ausencia.
"Estamos muy contentos y agradecidos por la decisión que ha tomado el Ministerio de Cultura de reconducir este asunto", declaró ayer el presidente del Consejo Superior de Arquitectos de España, Carlos Hernández Pezzi.
Desde el Ministerio de Cultura ayer se explicó escuetamente que "se está preparando desde Segipsa el pliego de contratación para sacar a concurso público el proyecto. Hasta ahora era un concurso de ideas".
Según los planes de César Antonio Molina, el nuevo Centro Nacional de Artes Visuales debería estar terminado en 2012. Ahora ya no parece tan claro.

Del 'sí' al 'no'

- 29 de julio de 2008. Siete equipos de arquitectos, además de Nieto Sobejano, Ábalos y Herreros; Cruz y Ortiz; Aranguren y Gallegos; Beatriz Matos, Mariano Bayón y García de Paredes y Pedrosa son invitados por correo electrónico a presentar una propuesta para el Centro Nacional de Artes Visuales.
- 13 de noviembre. El ministro de Cultura, César Antonio Molina, presenta a los medios de comunicación el proyecto elegido, junto a los autores agraciados: Nieto y Sobejano.
- 26 de noviembre. El Consejo Superior de Arquitectos impugna el procedimiento de adjudicación.
- 25 de febrero de 2009. El ministerio anuncia un nuevo concurso.