27 agosto 2008

Arquitecturas, del canal Arte, ahora en DVD

La estrella de la película es el edificio

La historia de 36 iconos arquitectónicos emitida por la cadena Arte llega al DVD

CLARA BLANCHAR (El País)- Barcelona - 27/08/2008

Ya no hay que comprarlas en el extranjero, hacer copias pirata o grabarlas a horas intempestivas en canales minoritarios. El sello Editrama ha lanzado en DVD la prestigiosa serie Arquitecturas, un espacio que la cadena francesa de televisión Arte comenzó a emitir en 1994. Son películas -así les gusta llamarlas a sus realizadores, Richard Copans y Stan Neuman- que cuentan la historia de edificios importantes convertidos ya en iconos. Desde la Bauhaus de Dessau y La Pedrera de Barcelona al Auditorium de Chicago o los Gimnasios Olímpicos de Yoyogi.

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Las entregas relatan quién los pensó, en qué contexto histórico o cívico nacieron, qué significaron, qué aportaron de nuevo, cómo se construyeron, con qué materiales, cómo se usan, qué destino político o social han tenido... En definitiva, una privilegiada lección de arquitectura en cada episodio, concentrado en desmenuzar los edificios para volverlos a levantar a ojos del espectador, a veces con la ayuda de maquetas que lo convierten todo en un juego.

Los edificios que aparecen en Arquitecturas han tenido un papel definitivo en la historia de la disciplina y han sido excepcionales en su momento, explican Copans y Neuman. Ése es, al menos, el criterio oficial de la selección. Pero hay otro puramente sentimental: "El enamoramiento por los edificios, el placer de la arquitectura", remachan. En cada entrega se han agrupado cuatro edificios: uno contemporáneo, uno moderno, uno pionero -precisamente- de la modernidad y un cuarto ya histórico. Para cada obra, además, se han añadido comentarios de arquitectos entre los que figuran Federico Correa, Óscar Tusquets, Benedetta Tagliabue y Josep Maria Montaner.

No obstante, el protagonismo de los edificios es absoluto: lo importante es siempre la obra. Nadie es entrevistado para explicar la transformación urbana que supuso el Pompidou en París. Tampoco hacen declaraciones técnicos, directores de museos, visitantes, alcaldes, promotores o limpiadoras... Ni falta que hace: la imagen a contraluz de una vecina subiendo la persiana de su balcón, frente al Guggenheim de Bilbao, y saliendo a regar lo dice todo.

Editrama ha publicado ya tres entregas que se ampliarán hasta nueve, con un total de 36 edificios. Los DVD están en castellano, catalán, inglés y francés. El objetivo de Gonzalo Herralde, el editor, es que Arquitecturas entre en las librerías: "Que la producción audiovisual ocupe un lugar en las estanterías, subir el documental al nivel de un buen libro".

Que te financien tus fans

Invierte en tu cantante favorito y comparte sus beneficios

Los ejecutivos tras Kaiser Chiefs impulsan una web en la que los fans puedan financiar a sus ídolos y recibir parte de los beneficios

ELPAIS.com - Madrid - 27/08/2008

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La última idea para combatir la deriva del sector discográfico es que el propio fan invierta en sus estrellas. Los ejecutivos tras grupos indie como Kaiser Chiefs y Primal Scream han puesto en marcha un nuevo el website Bandstocks, que ofrecerá la posibilidad de que sus seguidores financien a sus ídolos, según informa la edición digital del diario británico The Guardian. El proyecto, ideado por un abogado especializado en negocios musicales y apoyado por el fundador de la red social online Friends Reunited, se presenta como un nuevo modelo de financiación que podría proporcionar a los artistas una alternativa a los grandes sellos. De momento, sólo se ofrecen nombres emergentes.

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El trato funcionaría así. La empresa ofrece al público la compra de una acciones de 10 libras (12,5 euros) sobre su artista favorito. En el momento en que la cantidad reunida supere una cifra fijada, por ejemplo, 100.000 libras (125.000 euros), el dinero se emplearía para grabar un álbum. Los inversores/fans obtendrán una copia del álbum, su nombre será incluido en la carátula del CD y recibirán un porcentaje de los beneficios de ventas. También tendrán prioridad en la reserva de entradas y la oportunidad de comprar ediciones limitadas. Por su parte, el artista conseguirá un mayor porcentaje de beneficios que en un contrato con un gran sello discográfico, según el promotor de la iniciativa, Andrew Lewis, así como también logrará mayor libertad y control del copyright.

Los impulsores de la idea esperan que, si tiene éxito, los artistas volverán a editar más discos siguiendo el mismo programa. Y admitió que el éxito o fracaso dependerá del que atraiga una cantidad de financiación suficiente por parte del público. La web, que está respaldada por la inversión de The Vinyl Company, una empresa de producción y distribución de discos y que ha sido desarrollada durante cuatro años, se ha presentado con dos artistas: FrYars, un cantautor de 19 años que ha sido comparado con Nick Cave y Rufus Wainwright, y Jersey Budd, otro autor de quien se dice que ha rechazado ofertas de grandes sellos para trabajar con Bandstocks.

26 agosto 2008

Las raíces de la música by Ry Cooder

El rey nómada

Música Por David Morán

23 de agosto de 2008 - número: 864 (Abcd de las Artes y las Letras)

No le falta razón a Rylan Peter Cooder cuando asegura que las buenas ideas hay que defenderlas a capa y espada. Eso es precisamente lo que lleva haciendo el autor de Alamo Boy desde que se animó a investigar las raíces musicales de los emigrantes suramericanos y sus puntos de contacto con el rock y folk estadounidenses y colocó sin darse cuenta la primera piedra de una espléndida trilogía a la que le han bastado medio centenar de canciones para desentrañar la madeja del folclore norteamericano con minuciosos estudios de cada uno de sus pilares sonoros básicos. I, Flathead es, de hecho, la cumbre de esa escarpada montaña de sonidos tradicionales, estilos fronterizos y poderosas aleaciones que Cooder comenzó a escalar en 2005, año en que el impulso vigoroso de Buenavista Social Club y el vendaval caribeño de Mambo Sinuendo le llevaron a las puertas de Chavez Ravine, auténtico kilómetro cero de toda esta historia.

VAGABUNDEANDO. «Hablo de la clase trabajadora, de tipos que sudan, de gente realmente honesta», asegura Cooder sobre un trabajo que, editado originalmente en un lujoso formato de audio-libro, recrea las aventuras y desventuras de un músico imaginario de los años cincuenta nacido de la misma chistera que alumbró a Buddy, el gato callejero y comunista que guiaba al oyente por los rincones de My Name Is Buddy. Ese personaje nómada y vagabundo, alter ego de un músico que no ha dejado de cambiar de carril y de diseñar nuevas intersecciones colaborando con artistas tan dispares como el africano Ali Farka Touré, los cubanos Compay Segundo e Ibrahim Ferrer o el cineasta Wim Wenders, para quien Cooder escribió la célebre banda sonora de París, Texas, resume a la perfección la esencia de un Cooder empeñado en capturar el movimiento perpetuo de una música mutante que, como el paisaje, no deja de evolucionar y transformarse. Así, si Chavez Ravine le acercó a México y My Name Is Buddy le llevó a explorar la América profunda, I, Flathead recorre el sur de California en un intento por apresar las constantes perversiones de la música popular. Normal, pues, que este nuevo trabajo sea una vibrante y explosiva olla a presión en la que burbujean rock, blues, tex-mex, folk, country, ritmos fronterizos e incluso un homenaje nada velado a quien el californiano considera «la voz de América», un Johny Cash que da forma y sentido a uno de los temas más inspirados del álbum.

PODER NARRATIVO. No se conforma Cooder con cantar la historia de Kash Buk -así es como se llama el protagonista de I, Flathead- y, cada vez más pendiente de las propiedades narrativas de la música, se empeña también en contarla. De ahí que las canciones, espléndidos y atemporales pentagramas que desbordan conocimiento, pasión y espíritu pedagógico, no sean más que una parte -importante, sí, pero una parte al fin y al cabo- de un proyecto integral que, en la edición limitada estadounidense, se completa con una novela con la que el angelino desborda los límites del formato canción para relatar con pelos y señales una historia que bien podía ser la suya propia.

Ballard, ciencia-ficción social. Los alienígenas somos nosotros

Los mundos de Ballard

Por Andrés Ibáñez.


23 de agosto de 2008 - número: 864 (Abcd de las Artes y las Letras)

J. G. Ballard nunca ha sido un autor muy popular entre los fans de la ciencia-ficción. Los grandes premios del género, el Nebula y el Hugo, le han evitado por completo (aunque ha ganado nada menos que siete veces el premio español Gigamesh). El suyo es uno de los nombres que siempre se citan en el giro que dio la ciencia-ficción a principios de los sesenta, la «nueva ola», pero otros autores de esta tendencia como Brian Aldiss, Michael Moorcock o Philip José Farmer siempre han sido enormemente populares. Ballard pertenece a la banda más literaria de la ciencia-ficción, junto con Brian Aldiss, Gene Wolfe o Roger Zelazny, y puede incluso defenderse que es el mejor escritor de todos los practicantes «duros» del género. Sus libros son, ante todo, literatura, soberbias creaciones verbales que son además comentarios ácidos (y brutalmente lúcidos) de la vida contemporánea.

James Graham Ballard nació en Shanghai en 1930 y comenzó a publicar relatos en 1956. Su originalidad consistió en abandonar los temas más fantásticos e improbables de la ciencia ficción clásica (alienígenas, viajes por el tiempo, imperios galácticos) para concentrarse en un futuro cercano y en unos paisajes urbanos y humanos claramente reconocibles. En 1962 comenzó a utilizar el término «espacio interior» para designar el lugar de sus obsesiones, por oposición al «espacio exterior» de las naves interplanetarias. También de ese año es su declaración de que «la Tierra es el único planeta realmente extraño» (alien: «ajeno», «extraño», «extranjero» y, por extensión, «extraterrestre»).

Metáforas apocalípticas. Las novelas de Ballard se centran, por lo general, en grandes metáforas apocalípticas, que él desarrolla, no en forma de narraciones llenas de aventuras, sino con el ritmo sinuoso y demorado de novelas de ambiente, en las que la descripción detallada y sensual es el recurso fundamental. En El mundo sumergido (1962) la metáfora es la de un desastre ecológico que inunda la mayor parte del mundo civilizado, con maravillosas descripciones del Londres sumergido. En La sequía (1964) el desastre ecológico es precisamente el opuesto. En Crash (1973), llevada al cine por David Cronenberg, la metáfora son los accidentes de coches y la atracción sexual y morbosa que estos producen en una galería de extraños personajes sadomasoquistas. En La isla de cemento, de nuevo el tráfico (la isla del título, en la que el protagonista queda atrapado, está situada entre dos autopistas) y en Rascacielos la fragmentación de la vida social en un gigantesco edificio. Ballard pertenece a esa escuela literaria para la que escribir quiere decir escribir sobre un lugar y evocarlo con todo lujo de detalles, ya sea una ciudad sumergida, una playa donde se amontonan multitudes, un lago que se seca, un país que se convierte en cristal.

En el centro de la carrera de Ballard, publicada en 1970 en forma de libro y constituida en realidad por una serie de «novelas condensadas», destaca la que quizá sea su obra maestra: La exhibición de atrocidades, un libro que todo amante de la literatura contemporánea debería leer y releer. En estos elípticos textos tenemos al Ballard más siniestro, al más terrorífico, al más original, al más deslumbrante.

La escuela de los detalles. El tema de La exhibición? es el mundo contemporáneo como exhibición de atrocidades, la violencia de la guerra (la guerra de Vietnam como referencia constante), la fascinación del cine, Kennedy y Marilyn Monroe, la pornografía, los paraísos artificiales de la publicidad, helicópteros sobrenadando paisajes posindustriales de ciudades desoladas, las drogas (y la posibilidad de una Tercera Guerra Mundial «librada en los campos de batalla espinales»), simposios donde padres de familia se dedican a explicar cómo matarían a sus hijos, un programa terapéutico en el que los pacientes diseñan «la herida óptima», todo expuesto en un estilo de asombrosa originalidad, una sintaxis de piezas breves que forman algo así como yuxtaposiciones de imágenes cuya lógica no entendemos porque Ballard sólo nos da, por así decir, los movimientos de cámara, pero no su sentido.

Y es que estas «novelas condensadas» son una historia del horror contemporáneo pero también un experimento fascinante de literatura visual, y muchas veces las lacónicas frases parecen conjurar planos y secuencias cinematográficas más que lo que solemos entender como literatura. Y la declaración central: «el organismo humano es una exhibición de atrocidades». En realidad, la exhibición de atrocidades la llevamos cada uno consigo y todos somos nuestra propia exhibición de atrocidades.

Quizá El imperio del sol, una obra autobiográfica que se desarrolla en un campo de prisioneros japonés durante la Segunda Guerra Mundial y no pertenece al género de la ciencia ficción, sea su mejor novela. Como todo Ballard, el libro es intensamente visual y está lleno de imágenes inolvidables, captadas en la película de Spielberg con una fidelidad que no suele ser corriente en el cine.

En El imperio del sol Ballard se une al orgulloso linaje de la «escuela de los detalles» y narra de esta manera la llegada del niño a la casa en la que los soldados se han llevado a los padres: «Alguien había volcado los cepillos y los frascos de perfume del tocador, y el pulido parquet estaba cubierto de talco. En el polvo blanco había docenas de huellas de pies, los pies desnudos de su madre girando entre claras imágenes de unas pesadas botas como los dibujos de complicados pasos de baile en los manuales de tango y fox-trot de sus padres.» Nabokov no lo hubiera hecho mejor. No, no es extraño que Anthony Burgess admirara tanto este libro (y Graham Greene, y Angela Carter).

Ni moralista ni nostálgico. A pesar de su fascinación por las catástrofes y eso que ahora también se llama en español «distopías», Ballard no es en absoluto un moralista ni un nostálgico. Estamos acostumbrados a escuchar quejas lastimeras por lo horribles que son las cinturones industriales de las grandes ciudades, los centros comerciales o los nudos automovilísticos. Ballard es uno de esos pocos exquisitos que se paran a contemplar su belleza majestuosa. «Durante los últimos 35 años», escribía en The Observer en 1997, «he vivido en Shepperton, un suburbio no de Londres, sino del aeropuerto de Londres, una zona de intersecciones de autopistas, dobles carriles, museos de la ciencia, puertos fluviales y polígonos industriales vigilada continuamente por cámaras de seguridad de la policía, un paisaje que mucha gente asegura odiar, pero que yo considero el más avanzado y admirable de las Islas Británicas, y un paradigma de lo mejor que el futuro puede ofrecernos.» La imaginación, para Ballard, es aquello que entra por los ojos, y el futuro, lo que ya nos rodea por todas partes.

De como la música se asentó en Notting Hill

El campo de pruebas del radicalismo político y musical

The Clash, Damon Albarn y Nick Hornby son parte de la historia del barrio

XAVI SANCHO - Barcelona - 25/08/2008
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?Cacheados por la policía, que buscaba ladrillos. Más tarde, cacheados por los rastafaris, que buscaban billetes en nuestros bolsillos?. Así rememoraba Joe Strummer, de The Clash, su experiencia, junto a Paul Simonon, bajista de la banda, en el carnaval de 1976, cuyos altercados dejaron un balance de 66 detenidos y 100 policías heridos. De aquella experiencia surgiría el primer single de la banda, White riot. La relación del grupo punk con el evento abarcaría prácticamente toda su carrera, desde su ep Black market music, que cuenta con una imagen de esos mismos disturbios en su portada, hasta la posterior versión que grabarían del tema Police and thieves, original de Junior Murvin y banda sonora no oficial de las batallas campales de aquel año. Su música y la iconografía que la acompañó fueron el testimonio del desorden que vivió el evento el año en que el punk nació, del mismo modo que la novela de Colin McInnes Absolute beginners lo fue de los disturbios raciales de 1958.
Notting Hill, antes de Julia Roberts, All Saints, Damien Hirst o los gastropubs, fue el campo de pruebas y el campo de batalla de la radicalidad política y musical de la capital del Reino Unido. En él tenía su base de operaciones la Angry Brigade (Brigada Airada), una suerte de célula de activismo musical radical y banda terrorista izquierdísima que en 1971 organizó el primer carnaval libre y terminó el trabajo que tres años antes habían empezado los situacionistas británicos, quienes se sirvieron del carnaval de 1968 para romper oficialmente con sus padres franceses. En él, había escrito Orwell Homenaje a Catalunya; aquí se abrió Rough Trade, la tienda que inventó la música independiente, y en él, en el Music and Video Exhange de Pembridge Road, nació la novela de Nick Hornby Alta fidelidad. Un cuarto de siglo más tarde, tras la irrupción de Norman Jay y su revisión de las relaciones interraciales a través de los soundsystem, de Don Letts y su cruce entre punk y música caribeña, de los discos del mítico sello Trojan dedicados al sonido de la calle en Notting Hill el último fin de semana de agosto, de la universalización de las drogas de diseño y del acid house, llegaron los noventa y, con ellos, todo cambió. La violencia inherente al evento se extirpó de cualquier carga política y las representaciones culturales se pasaron por el filtro del turismo musical. A pesar de Hugh Grant y el girl power, el evento aún es celebrado hoy por gente como Damon Albarn, quien lleva más de dos décadas residiendo en el barrio, muy cerca de Paul Simonon, con quien formó el año pasado la banda The Good, the Bad and the Queen, la sublimación más orwelliana y oscura de lo que significa este carnaval. Política, baile y confrontación, la esencia de la historia musical del Reino Unido.

¿Qué hago con tantas obras?

Damien Hirst cotiza mucho pero no tiene quien le compre

PATRICIA TUBELLA (El País) - Londres - 26/08/2008
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Damien Hirst no es sólo el artista más cotizado del Reino Unido, y uno de los mayores a escala planetaria, sino también el más prolífico. Su desenfrenada capacidad de producción, sin embargo, no parece encajar en los últimos tiempos con el número de clientes dispuestos a rascarse los bolsillos para hacerse con una de esas obras, exponentes del arte conceptual en grado sumo. Dos centenares de piezas de Hirst permanecen sin perspectivas de venta en la galería londinense White Cube, que ejerce de marchante de su autor desde hace más de una década.

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La culpa de tal fiasco no puede atribuirse al contexto de crisis económica porque, incluso en estos tiempos que amenazan recesión, el mercado del arte se ha revelado como una inversión al alza. Quizá fuera más acertado apuntar a un cierto agotamiento de la figura de Hirst (43 años), omnipresente en el panorama artístico con unas obras que empiezan a perder su capacidad de provocación.
Negociante como pocos, Hirst ha decidido concentrarse en el mercado internacional, con la salida a subasta el próximo mes de 223 de sus trabajos en la casa Sotheby's. Acordó la operación directamente con la sala, saltándose a la torera la relación comercial que le une a la White Cube y denegándole con ello la habitual comisión del 40%. Ha puesto como excusa el "esnobismo" de muchas galerías frente a cierta clientela (léase magnates rusos o árabes), pero los observadores están convencidos de que, con ese paso, el artista busca una salida a su voluminosa producción.

22 agosto 2008

No hay crisis en el coleccionismo de arte

"Los coleccionistas están cambiando"

JOSÉ ANDRÉS ROJO (El País) 23/08/2008


Hay ruido y crepitar de dientes en el mundo por la crisis económica y, mientras tanto, las obras de arte baten récords en las subastas. ¿No se han enterado los coleccionistas de que las cosas van de mal en peor? Parece que no: el pasado mayo, el multimillonario ruso Roman Abramovich compró en Christie's un desnudo de Lucian Freud por 21,5 millones de euros, la cifra más alta pagada nunca por la obra de un artista vivo. Un día después se hizo con un tríptico de Bacon en Sotheby's y desembolsó 55 millones de euros, alcanzando así la cotización más elevada de un artista contemporáneo. "El del arte es, sin duda, un valor mucho más sólido que otros", comenta Isabela Mora, "pero esa compulsión coleccionista creo que tiene mucho más que ver con la voluntad de estar ahí, en ese reducido círculo de los que tienen de verdad dinero".

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"Algunos artistas están hoy al frente de empresas de cuarenta empleados"

Las obras de arte no han conocido problemas en este año de crisis. Las tres velas, de Sorolla, se subastó por 4,5 millones de dólares.

Un yate que no incluya alguna pieza de arte que desprenda aromas millonarios simplemente no es un yate. ¿Y la crisis? ¿Cómo se libra el mundo del arte de sus embates? "No llega, o tarda en llegar, a las piezas de artistas que tienen una altísima cotización", dice Isabela Mora. "Pienso en Freud, en Bacon, en Picasso. Pero la crisis ya está golpeando a las galerías con menos recursos, a las más pequeñas, a las que se arriesgan con artistas particularmente heterodoxos".

El año 2000 sonó el timbre en la casa de Isabela Mora. El caballero que estaba al otro lado de la puerta le preguntó si lo dejaba todo y se iba con él a Basilea. Lo hizo. El misterioso visitante era Samuel Keller; acababa de ser elegido director de Art Basel, la feria de arte más importante del mundo, y la había buscado para que le ayudara a poner en marcha una propuesta semejante en Miami. Isabela Mora conocía bien a artistas, galeristas y coleccionistas del otro lado del charco por su trabajo durante años como representante y asesora de la Fundación Jumex, de México. "Keller quería saber si era rentable una feria en Estados Unidos". Lo era: la primera edición de Art Basel Miami se inauguró en diciembre de 2001.

Lucian Freud bate récords, pero qué pasa con el arte menos convencional. "Ya no valen los viejos criterios", explica Isabela Mora; "es necesario entender que muchos de los artistas actuales más renombrados están a la cabeza de empresas que emplean a 40 o 50 personas, entre investigadores, ingenieros, arquitectos... Es el caso de Olafur Elliasson, Damien Hirst, Jeff Koons, por ejemplo. Y también cambian los propios coleccionistas. Ya no se limitan a comprar las obras terminadas; están también financiando muchos proyectos de los artistas que valoran o poniendo en marcha fundaciones que recojan las obras más complejas. Ahí están la propia Fundación Jumex o la Sandretto Re Rebaudengo, en Turín. Tienen edificios para instalar sus compras de manera permanente".

Cuando Samuel Keller abandonó la dirección de Art Basel, Isabela Mora le acompañó a su nuevo destino, la Fundación Beyeler. "Uno de los proyectos que tenemos allí es de Philippe Parreno: se trata de unos fuegos artificiales que se lanzarán de día. Serán en blanco y negro", cuenta. Con Parreno, y con Douglas Gordon, ya trabajó en Zidane. Un retrato del siglo XXI, esa película que sigue durante un partido al astro del Real Madrid a través de 17 cámaras sincronizadas. "Aquello empezó como una idea modesta, y terminó en una inmensa producción para la que llegamos a contratar una cámara que no había salido nunca del Pentágono".

Amiga de artistas como Parreno, cómplice de coleccionistas, brazo derecho de Samuel Keller, Isabela Mora ha sido la responsable de la puesta en escena y organización de las inauguraciones del Museo Picasso de Málaga y de la ampliación del Prado. Y también ha estado junto al comisario Hans Ulbrich Obrist cuando éste propuso a la Fundación Lorca realizar en la Huerta de San Vicente una exposición que reuniera la lectura de la obra del poeta de artistas muy diversos. "Los coleccionistas son una raza rara", dice. "Viven para hacerse con las piezas que desean y son capaces de las proezas más extravagantes. Es una pasión muy difícil de extirpar y, mientras dure, seguirán durando las grandes cifras que se pagan en las subastas".

Alec Empire, investigador musical

"Me gusta explorar el impacto de la música en la mente"

Músico y Dj. Presenta nuevo disco, ‘The Golden Forestate of Heaven', esta noche en el festival FOC&Sound(Castelló)

JESÚS ROCAMORA (Público.es) - Madrid - 22/08/2008 08:13

Maestro del ruido como género musical y de la electrónica como arma política, el músico y Dj alemán Alec Empire (1972) presenta esta noche en Moncofa (Castelló), en el festival FOC&Sound, su penúltima reencarnación -finiquitado Atari Teenage Riot, grupo que le dio fama de terrorista sonoro-. Empire ha montado un nuevo proyecto, The Hellish Vortex Group, un colectivo de músicos y artistas, y ha grabado un disco, The Golden Forestate of Heaven, en el que, ¡sorpresa!, parece haber optado por un mensaje positivo o, al menos, bastante más hedonista y disfrutable para el oyente.

El propio Empire ha escrito en MySpace: "Sentía la necesidad de reorientarme completamente; de conducir mi música por otros caminos". Su metamorfosis, además de musical, parece ser personal. "También. Mis amigos me comparan con un científico o con un escritor de novelas de crímenes. Puedo emplear semanas enredando con mis sintes. No me veo como un entertainer: me gusta explorar el sonido y cómo puede tener un impacto en la mente. Es una de las cosas más excitantes de hacer música", explica en conversación con Público.

Futuro imperfecto

Empire, eso sí, asegura que este giro ni tiene una lectura política, ni es tan sorprendente en alguien que busca "estímulos continuamente". Aprovecha para matizar sobre su fama de pesimista: "Es uno de los grandes errores de interpretación sobre mi música. He encontrado interesante crear imágenes de un futuro de pesadilla, pero siempre con el objetivo de criticar y cuestionar el presente. Pero un pesimista no siente la necesidad de crear nada nuevo o diferente. La mayoría de los músicos de pop no creen en el futuro y repiten una fórmula existente. Yo me enfrento a mis miedos".

Dueño de una prolífica discografía en solitario igualmente dolorosa para los oídos, Empire es especialista en encontrar amigos para aventuras de todo tipo. Incluso se parodió a sí mismo con Nintendo Teen-age Robots, donde montaba jaleo digital con los sonidos de su Game Boy. Para plasmar en directo The Golden Forestateof Heaven, ha llamado a Nic Endo (compañera en Atari) y Zyan Lyons. "Y varios músicos en Berlín dijeron que éramos más ruidosos en directo que My Bloody Valentine...", avisa.

Hablando de conciertos, ¿recuerda aquel Festimad de 1998, cuando acabo enseñando la entrepierna al respetable, que le tiraba botellas y salivazos? "Claro. Desde entonces, Asian Dub Foundation no nos hablan, tienen reparos morales con estas cosas. Acabamos cubiertos de barro, nos lanzaron de todo. Por eso amo España. La gente es apasionada y emocional. ¡Están vivos!".

Lo de esta noche, asegura, será más tranquilo, "algo parecido a un viaje. Nada de promoción". Embarcado en la producción de tres bandas sonoras a la vez, Empire concluye que "las películas y los videojuegos no tienen las limitacionesde la música pop, una industria que vive de vender basura a los adolescentes".

El músico pintor

Actualizado Lunes, 28-07-08 a las 13:45
La exposición "The Art of John Lennon" abrió hoy sus puertas en la localidad bávara de Garmisch-Partenkirchen con la intención de mostrar cerca de 150 creaciones pictóricas del legendario Beatle, en el que es seguramente su perfil artístico menos conocido.
La muestra reúne una serie de dibujos, caricaturas y grabados que el compositor de "Imagine" creó entre el año 1968 y diciembre de 1970, fecha en la que Lennon fue asesinado a tiros por Mark Chapman junto a su apartamento de Nueva York.
La mayoría de las obras provienen de la colección privada de su viuda, la también artista Yoko Ono, y en ellas están retratadas las escenas y personas que protagonizaron la vida del músico, como su hijo Sean.
Dibujos y caricaturas reflejan el "enorme sentido del humor" que tenía Lennon y la "mirada sarcástica" con la que el músico de Liverpool contemplaba su alrededor, explicaron los organizadores de la muestra. En ocasiones, el compositor combinó sus dibujos con textos poéticos y literarios sin sentido, "invitando al espectador a sonreír pero también a reflexionar", añadieron los responsables de la exposición, que se puede visitar desde hoy en el Kongresshaus de Garmisch-Partenkirchen.
El objetivo de la exposición es poner en conocimiento del público la extensa producción pictórica de John Lennon, su vertiente artística que ha pasado más inadvertida, a la sombra de los grandes éxitos musicales cosechados por el padre del famoso cuarteto que se convertiría en uno de los fenómenos culturales más importantes del siglo XX.
Con su dramática muerte, sus dibujos quedaron irremediablemente relegados a un segundo plano, mientras algunas de sus composiciones musicales como "Help!", "Lucy in the sky with diamonds" o "A day in the life", se conservan en la memoria de los amantes de la música.
Precisamente, la exposición se ha llevado a cabo con la idea de que se conozca la plenitud de vertientes artísticas que asomaban del genio de Lennon.
"El arte fue para John su primer amor", señalaron los organizadores de la muestra tras recordar que el músico "comenzó a dibujar antes de que tuviera una guitarra".
"Antes de que convertirse en un Beatle, fue poeta y artista", subrayaron. En 1957, previo a la fundación del grupo que le llevaría a la fama mundial junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, Lennon estudió en el College of Art de Liverpool, en donde, tras un seudónimo, escribió y dibujó pequeñas historias de humor para diversas revistas.
En esos años también se encargaría del diseño de la carátula de un disco y llegaría a publicar tres libros. Su fuerte personalidad y su espíritu de rockero rebelde le llevaron a involucrarse intensamente contra la guerra de Vietnam y luchar por un único objetivo: la paz mundial.
Los principios políticos y morales de Lennon -compartidos por su esposa, Yoko Ono- están plasmados en algunos de sus dibujos presentes en la colección, la mayoría de los cuales provienen de su libro "Real Love", creado cuando su hijo Sean era todavía un bebé.
La exposición, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 21 de agosto, llega a Alemania tras su paso por Liverpool, el santuario de los Beatles.

Ópera en el cine

El cine Plaza de Armas ofrecerá óperas en directo desde toda Europa

La programación incluye algunas de las obras más célebres de Verdi, Rossini, Bellini, Mozart, Puccini y Humperdinck · El precio de las entradas va desde los cinco euros de los abonos hasta 16 euros

María Pachón Cáceres / SEVILLA | Actualizado 22.08.2008 - 05:00
zoom

Montaje del 'Don Giovanni' de la Royal Opera House de Londres que se retransmitirá en los cines.

Cinesa Plaza de Armas ofrecerá este otoño la retransmisión en sus salas de siete óperas de las grandes compañías europeas, cinco de ellas en directo. Este proyecto de emisión vía satélite acercará la ópera al público de 17 cines de la cadena Cinesa en 11 ciudades españolas, continuando una iniciativa que ya se ha puesto en marcha en otros países europeos en los que opera la compañía.

Para facilitar al máximo la adaptación del público del cine a la ópera, las emisiones en directo conectarán media hora antes para que, desde la sala, se pueda ver cómo la gente entra al teatro. Las dos óperas que se proyectarán pregrabadas irán acompañadas de contenidos extras explicando el argumento, probablemente mediante entrevistas a los actores y comentarios del director, según apunta la organización.

Las entradas ya están a la venta en las taquillas de Cinesa Plaza de Armas, en www.cinesa.es y en el teléfono 902333231. El precio es de 14 euros para las entradas anticipadas de las retransmisiones en directo y de 16 euros si se compran el mismo día. Las óperas pregrabadas costarán seis euros de forma anticipada y ocho el mismo día. Para los aficionados, las taquillas ofrecen un bono de cinco óperas a 60 euros para los directos y 25 para los grabados.

Este peculiar ciclo de ópera se inaugurará el 8 de septiembre con la apertura de la temporada de la Royal Opera House de Londres, retransmitiendo en directo su versión del Don Giovanni de Mozart. En la primera parte de las sesiones operísticas en el cine, que se alargará hasta diciembre, también se podrá ver, el 16 de septiembre, L'Italiana in Algeri, de Rossini, en diferido desde el Rossini Opera Festival en Italia. Las proyecciones continuarán con los directos desde el Teatro Real de Madrid de Un ballo in maschera, de Verdi, el día 28 de septiembre, y desde el Teatro Lírico de Cagliari, en Sardinia, Italia, de la Sonnambula de Bellini el 15 de octubre.

La Tosca de Puccini se ofrecerá en diferido desde la Arena di Verona, en Italia, el 11 de noviembre. La temporada de otoño cerrará con los directos de Aida, de Verdi, el 3 de diciembre desde el Teatro Massimo de Palermo, y el Hansel & Gretel de Humperdinck desde la Royal Opera House el 16 de diciembre.

Las retransmisiones continuarán en el 2009 con un calendario que todavía no está cerrado, pero que incluirá, entre otras, las óperas Simon Bocanegra, Jackie O, The legend of the invisible city of Kitez, Madama Butterfly, Ondine, Im weissen Rössl, La traviata y Salome. El próximo 5 de abril, coincidiendo con el Domingo de Ramos se ofrecerá, también en directo, desde la capilla del King's College de Cambridge, el oratorio El Mesías, de Haendel, a cargo de la Academy of Ancient Music, dirigida por Stephen Cleobury.

La programación de ópera de Cinesa cerrará el 27 de dicimbre con La Nozze di Figaro, coincidiendo con la última representación de la temporada del Teatro Real de Madrid.

Homenaje al galerista

Londres homenajea al mecenas de las vanguardias

La Royal Academy of Arts de Londres recuerda a Aimé Maeght a través de la obra de Matisse, Miró, Calder y Giacometti

EFE, Londres | 21/08/2008 | comenta | Votar
'Alegría de una niña delante del sol', pintura de Joan Miró.

'Alegría de una niña delante del sol', pintura de Joan Miró.



La Royal Academy of Arts londinense celebrará con una exposición al famoso mecenas y galerista francés Aimé Maeght a través de las obras de cuatro de los grandes artistas a los que representó y a los que estuvo unido por la amistad.

Se trata del español Joan Miró, del británico Alexander Calder, del suizo Alberto Giacometti y del francés Georges Braque, a todos los cuales dedicó Maeght (1906-1981) importantes exposiciones en su galería parisina de la rue de Téhéran.

"Hemos preferido centrarnos en esos cuatro creadores en lugar de hacer una exposición que incluyese a muchos más artistas pero en los que cada uno estuviese representado solamente con una o dos obras", explicó la comisaria de la exposición, Ann Dumas.

Son en efecto innumerables los artistas que expusieron en la galería de Maeght: desde Matisse, Bonnard, Kandinsky y Chagall hasta Tapiès, Chillida, Alechinsky, Riopelle, Bram den Velde o Bazaine, por citar sólo a unos pocos.

"Maeght abrió su galería parisina a finales de 1945 poco después de la liberación de Francia. Era un momento difícil para el arte ya que la mayoría de los galeristas, entre ellos muchos judíos, habían huido o habían fallecido en los campos de la muerte", explicó Dumas.

La galería se inauguró con una exposición de dibujos de Henri Matisse, y dos años más tarde, Maeght organizó, con la colaboración de André Breton y Marcel Duchamp, una gran exposición dedicada al surrealismo, que tituló El surrealismo en 1947.

La fundación

Además de la galería parisina, Maeght abrió en 1966 en Saint Paul de Vence, cerca de Niza, la fundación que lleva también su nombre, que posee una de las grandes colecciones de arte moderno en el mundo con más de 10.000 obras, entre ellas 150 esculturas de Miró y 62 de Giacometti.

La exposición de la Royal Academy, que podrá visitarse del 4 de octubre hasta el 2 de enero del 2009, comenzará por una sala en la que podrán verse obras de Matisse y Bonnard, los dos artistas que convencieron a Maeght para que abriera en París su galería.

Entre las obras de Bonnard se expondrán algunos dibujos muy íntimos que hizo el artista de los hijos del galerista, pero también su gran lienzo Verano, de 1909, una obra de gran tamaño en el que ese extraordinario colorista sintetiza el espíritu del sur de Francia.

Dibujos, esculturas y cerámicas

Matisse estará a su vez representando por varios dibujos, incluidos el titulado El arbusto, que sorprende todavía hoy por su extraordinaria sencillez, y un retrato también al lápiz de Marguerite Maeght, esposa y estrecha colaboradora del galerista.

En una de las salas, según explicó la comisaria, habrá, a modo de moderno "gabinete de curiosidades", varias vitrinas con objetos diversos, como pequeñas creaciones surrealistas o las pequeñas esculturas de alambre sobre temas circenses de Calder.

En otras salas se expondrán varios de los famosos móviles de ese artista británico así como obras que su amigo Miró realizó en distintos medios, entre ellas varias cerámicas en las que colaboró con Llorens Artigas, junto a grandes lienzos como La Naissance du Jour, de 1960, y La joie d'une fillette devant le soleil.

Braque, con cuya obra Maeght no comenzó a comerciar hasta los años cincuenta, estará representado por algunas pinturas de su última etapa, además de cerámicas y esculturas inspiradas en temas arcaicos.

En el caso de Giacometti se han seleccionado también cerámicas, dibujos y pinturas, además de varias de sus famosas esculturas de aspecto filiforme que tan profunda impresión causaron en los escritores y filósofos existencialistas de su tiempo.

El arte de la fotografía

Cien años de Cartier-Bresson y su "instante decisivo"

Sus retratos de personas anónimas se han convertido en objeto de estudio para los nuevos fotógrafos

EFE - Madrid - 21/08/2008
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Hace 100 años, el 22 de agosto de 1908, nació uno de los genios de la fotografía, Henri Cartier-Bresson. Mostró una capacidad inusual para la observación, de ahí que saber sobre su obra signifique tanto como conocer una parte de la historia gráfica del siglo XX. Su fotografías se ha convertido además en objeto de estudio para los futuros fotógrafos de la sociedad globalizada.
Referirse a Cartier-Bresson -fallecido el 3 de agosto de 2004- es hacer una pausa en su concepto del "instante decisivo", con el que definió el momento exacto en el que se toma la foto, es decir, cuando "se alinea -en palabras suyas- la cabeza, el ojo y el corazón" para conseguir la instantánea. Explicaba que de hacer el "clic" una milésima antes o después la fotografía ya no sería igual. Pero esta tesis, que dio a nombre a uno de los libros de Cartier-Bresson El momento decisivo (1952), desde hace un tiempo se topó con el marasmo actual donde ese instante mágico, según algunos teóricos, ha muerto influida por la fotografía digital y la democratización de las cámaras.
'Magnum', el club selecto
Con su leica Cartier-Bresson retrató China, la India, México, hasta la Segunda Guerra Mundial -donde se creyó que incluso había fallecido- y fundó, junto a otras también leyendas del negativo, en 1947, la primera agencia de fotografía, el club selecto de Magnum.
Muchas de las fotos que Cartier-Bresson tomó no podrían ser captadas hoy. No por las limitaciones técnicas sino por las de la Justicia. Muchos de los retratos en blanco y negro de personas anónimas no se podrían hacer ya, salvo con un permiso previo del retratado, porque las reglas sociales han cambiado y ello ha llevado a que parte de la fotografía documental que el abanderó sólo sea posible en la actualidad en el Tercer Mundo.
A estos dos aspectos se suma la muerte lenta y silenciosa del proceso fotográfico de la argenta con la que Cartier-Bresson, entre otros, consiguió unas tramas de grises en sus instantáneas que hasta la fecha tan sólo puede llegar a soñar el proceso digital
Por todo ello, más que nunca conviene rememorar a Henri CartierBresson, en aras de la calidad del acto fotográfico en una sociedad que hipervalora la imagen pero que, a su vez, juega al "todo vale" y que dicta sentencia sobre el derecho a la imagen.

20 agosto 2008

A la carga con los derechos de autor

Muxtape, en el punto de mira de los vigilantes de la propiedad intelectual

La web, que permite hacer recopilatorios de canciones a la manera de las viejas cintas de casete, ha sido cerrada temporalmente

Captura tomada el 19 de agosto que muestra el aviso de Muxtape para informar que el servicio ha sido deshabilitado temporalmente.

Muxtape.com

Desde ayer por la noche en Estados Unidos la web Muxtape está cerrada "por un breve periodo mientras solucionamos un problema con la RIAA".

Estas siglas corresponden a la Recording Industry Asociation of America, un lobby que representa a los empresiarios de la industria estadounidense del disco, y que hace todo lo posible por luchar contra la piratería.

Muxtape es una web que permite subir canciones en formato mp3 desde el disco duro del usuario y así crear una recopilación online de canciones, ponerle un título y permitir que cualquiera pueda escucharlas.

Según una entrada con fecha del 18 de agosto en el blog de Muxtape,"ningún artista o sello discográfica se ha quejado, la web no está cerrada indefinidamente".

Los analistas de internet ya habían valorado que el site, pese a ser una estupenda idea que estaba ganando en popularidad, era una bomba legal, pues su único escudo para protegerse de una acusación de abuso de la propiedad intelectual es la advertencia "by uploading a song you agree that you have permission to let Muxtape use it" (al subir una canción estás confirmando que tienes permiso para dejar que Muxtape la use).

Revolviendo el armario

Dylan regala en su web uno de los inéditos de su próximo álbum de caras B

El cantautor sacará en octubre 'Tell tale signs', un disco con temas de los últimos veinte años que no llegó a publicar

  • EFE, Madrid (Adn.es)| 19/08/2008 | comenta | Votar

El músico estadounidense Bob Dylan.

EFE

El cantautor estadounidense Bob Dylan ofrece gratis en internet un tema inédito, Dreaming of you, como anticipo de Tell tale signs, un álbum con canciones grabadas durante las últimas dos décadas que saldrá a la venta el próximo mes de octubre.

Dreaming of you, que puede descargarse en su página web, pertenece a las sesiones de grabación de Time out mind, el álbum publicado por Dylan en 1997 y que fue considerado como su renacimiento creativo.

El tema es una de las canciones inéditas que presentará Tell tale signs, en el que se incluyen además maquetas, versiones en directo y otras rarezas.

El álbum se comercializará en un formato doble con 27 canciones y también en una edición limitada, que incluye un tercer disco con doce temas más y un libro con las portadas de los singles de Dylan.

De 1989 a 2006

El material abarca desde 1989 hasta 2006, período en el que Dylan grabó sus tres últimos y aclamados discos, Time out mind (1997), Love and theft (2001) y Modern times (2006), e incluye cortes procedentes de álbumes anteriores como Oh mercy (1989) y World gone wrong (1993).

Tell tale signs es el octavo volumen de The bootleg series, una colección de álbumes que Dylan comenzó a editar en 1991 para dar salida a su material inédito y evitar que acabara publicándose en discos piratas.

Los primeros tres volúmenes de la serie vieron la luz en una caja que salió a la venta en 1991 y posteriormente se publicaron sucesivamente tres discos con conciertos grabados en 1966, 1975 y 1964.

Censura en el cine

Los rojos del celuloide

Las ventajas del doblaje

Warner Bros

Una de las censuras más conocidas de la historia del doblaje en España es el diálogo de Casablanca (1942) en el que el capitán Renoir dice que Rick (Humphrey Bogart) luchó con los republicanos en España. En castellano, en cambio, asegura que luchó contra la anexión de Austria.


Danzad

'Invasión Danza' toma las calles... bailando

  • Quieren llamar la atención y generar conciencia sobre la situación de la danza
  • Los bailarines graban sus coreografías en vídeo y las muestran en Internet
Actualizado miércoles 20/08/2008 14:52 (CET)

EFE

MADRID.- Con el lema "Si bailas, invade y si no bailas, déjate invadir", ha nacido 'Invasión Danza', una iniciativa artística independiente, que lleva a los bailarines a tomar de forma pacífica la calle y los espacios públicos con pequeñas coreografías, que graban en vídeo y muestran en Internet.

Todo empezó a finales de mayo, con una conversación entre las bailarinas Ainoa Sarmiento, María Dueñas e Inés Narváez y el crítico Emilio Tenorio, sobre "el desolador presente e incierto futuro de la danza en España".

"Pensamos en cómo llamar la atención y, en lugar de reunir firmas, se nos ocurrió lanzarnos a la calle y reunir vídeos", ha explicado Ainoa Sarmiento.

La 'invasión', a la que se han sumado otros artistas, como Carmen Wermer, Premio Nacional de Danza 2007, ha llegado a escenarios tan dispares como la estación de Metro de Sol, en Madrid, el Aeropuerto de Roma o una laguna glaciar en Islandia.

"Bailamos una coreografía corta, para un reducido público casual, en la calle y por sorpresa, y grabamos en vídeo documental toda la acción, así todo el mundo puede asistir a esa representación mediante la publicación de las imágenes en nuestro sitio de Internet", han aclarado los promotores de la iniciativa.

Hasta el momento, en el sitio se han publicado '13 invasiones', entre ellas la más numerosa es la que tuvo lugar en la Plaza de Santo Domingo de Madrid, el pasado mes de junio con 18 artistas.

Una propuesta para todo el mundo

Ainoa Sarmiento ha insistido en el carácter pacífico de la propuesta. Aunque no se piden permisos de ningún tipo, ha reiterado, no se violenta la convivencia en los espacios públicos, sino que se sorprende y atrapa a un público que no ha sido previamente convocado.

"Invadimos la calle, porque queremos que se nos vea, porque queremos que la danza se conozca, porque no tenemos espacios propios suficientes para desarrollarnos, porque nuestra profesión no tiene un reconocimiento social acorde con nuestra labor, porque nos reconocemos como un elemento de la cultura no destinado a élites especializadas sino al alcance del disfrute de todos" destaca la web.

Y como la iniciativa incluye a todo el mundo, se ha invitado a participar a todos los artistas y aficionados que, simplemente "quieran salir a la calle y bailar".

Por esta razón, se ha creado una página de Internet específica, en la que las imágenes deben tener un valor documental.

"¡Con todos los bailarines españoles que están trabajando fuera, podríamos conseguir vídeos de todas partes del mundo!", ha destacado Ainoa Sarmiento.

Hasta el momento, la mayoría de los participantes bailan danza contemporánea, pero 'Invasión Danza' está abierta a todos los estilos.

Entre la reivindicación y el deleite del nuevo público, la página web ya cuenta con comentarios que animan a sus participantes, de figuras como Belén Guijarro, Edurne Sanz, Sara Benítez, Miriam Rocha, Marisol Kassem, Kurius o Luiscar Molina.

Más que Franco, la guerra...

Franco, bajo la lupa de Hollywood

Un documental analiza la repercusión de la guerra civil española en los artistas norteamericanos

PILAR ÁLVAREZ - (EL País) Santander - 20/08/2008

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La Guerra Civil española apareció de uno u otro modo en más de 50 películas de Hollywood entre 1937 y 1975. El documental Hollywood contra Franco, cuyo preestreno es esta tarde en la UIMP de Santander, recoge algunas de las mejores secuencias de cintas como Casablanca, ¿Por quién doblan las campanas? o Las nieves del Kilimanjaro para contar cómo se vio y se vivió ese episodio desde Estados Unidos.

Francisco Franco Bahamonde

Francisco Franco Bahamonde

A FONDO

Nacimiento:
04-12-1892
Lugar:
(El Ferrol)

Enlace Ver cobertura completa

La noticia en otros webs

El largometraje, dirigido por el catalán Oriol Porta, se centra en la figura de Alvah Bessie, guionista y crítico de cine, que formó parte de la Brigada Internacional Abraham Lincoln y luchó en España en 1938. Su apoyo a los republicanos y su filiación al Partido Comunista le costó una citación del Comité de Actividades Antiamericanas, donde se negó a declarar. Fue encarcelado e incluido en la Lista Negra. Falleció en 1985. El testimonio de su hijo se mezcla con imágenes de informativos norteamericanos antiguos y del NODO, secuencias de películas y testimonios como el de la actriz Susan Sarandon, que también participa en el documental, financiado con la participación de TVE y TV3. "Fue el primer conflicto armado que se siguió casi en directo", asegura el director, que ha perseguido y defendido el proyecto durante años. "A veces pensaba que lo harían antes los americanos y acabaríamos tirándonos de los pelos", concluye.

18 agosto 2008

No compres este DVD

Morrissey pide a sus fans que no compren su nuevo DVD editado por Warner

La multinacional ha anunciado la publicación de un concierto en directo para el próximo 6 de octubre

Morrissey temía que la portada de su no consentido DVD en directo Live at the Hollywood Bowl fuera "atroz".

Warner

El 14 de agosto, la web dedicada a Morrissey True to you, recibió un comunicado del artista en persona que decía: "El chapucero lanzamiento Morrissey live at the Hollywood Bowl ha sido realizado por Warner sin consultármelo en absoluto, y es un incumplimiento de las condiciones diseñadas por ellos mismos en un acuerdo hecho para el film entre Warner y mi ex manager. Tratándose de Warner, probablmente el diseño de la cubierta será atroz. Es el trabajo de unos sacacuartos e insto a la gente a que NO lo compre. Yo no tengo un contrato con Warner y ningún royalty de este DVD me llegará a mí. Por favor, gasta tu dinero en cualquier otro sitio. Gracias, MORRISSEY".

Live at the Hollywood Bowl es un DVD con 22 canciones de Morrissey y los Smiths cuyo lanzamiento está previsto para el 6 de octubre. Se trata de la grabación de un concierto que tuvo lugar el 8 de junio de 2007.

La edición especial y limitada del último disco del dandy de Manchester, su recopilatorio Greatest Hits, incluía un CD extra con canciones grabadas en ese concierto. Pero la edición en vídeo no está autorizada por él.

Morrissey ha controlado obsesivamente cada paso dado en su carrera en los últimos años, firmando acuerdos para cada disco y asegurándose de que los derechos permanecían bajo su control.

El próximo trabajo de Morrissey, su noveno álbum en solitario, llevará por título Years of refusal, y aparecerá próximamente para el sello Decca. Su productor, Jerry Finn, falleció el pasado 12 de agosto de una hemorragia cerebral.

Según una reciente entrevista con el guitarrista y compañero de composición de Morrissey, Boz Boorer, el primer single del disco será la canción I'm throwing my arms around Paris.

El canon digital sigue dando guerra

El cuadro completo

Blas Fernández18 de agosto de 2008 a las 3:56 pm (La Ventana Pop (Grupo Joly)
Esta misma mañana en Santander, en uno de los cursos de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Guillermo Corral, director general de Política e Industrias Culturales del Ministerio de Cultura, ha salido otra vez en defensa del canon digital utilizando los argumentos habituales.
Según informa Europa Press, Corral considera que dicho gravamen es “el mejor instrumento” para “conciliar” los derechos de los usuarios y los de los creadores. La nota continúa añadiendo que Corral rechaza por “irrelevantes” las críticas que se realizan al canon digital aludiendo a que se penaliza por delitos que no se han cometido, ya que los dispositivos gravados pueden no utilizarse para realizar copias de productos culturales.
Al respecto -sigue-, indica que la copia privada no es un derecho en sentido estricto sino un “derecho de posibilidad”, de la misma forma que se pagan impuestos por infraestructuras que no todos usan pero pueden utilizar o se pagan seguros ante la posibilidad de necesitarlos.
Los ejemplos usados son ridículos -los impuestos se pagan al estado, no a entidades privadas de gestión más o menos opacas, mientras que los seguros son contratados, o no, por los ususarios en función de sus necesidades e intereses- y por sí mismos descalifican a quien los enuncia, nada menos que un alto cargo del Ministerio de Cultura. Pero lo más llamativo no es lo endeble de la argumentación, sino el marco en que acontece. El curso en cuestión se titula ¿Quién paga la cultura? Del canon digital a la industria del español y, ¿adivinan qué entidad lo patrocina? Sí, amigos, la Fundación Autor, perteneciente al tupido entramado del Grupo SGAE.
Ya tenemos el cuadro completo: organizo el curso y llevo a quien me interesa para escuchar lo que quiero oír. Y como lo que se dice se dice en uno de los cursos de verano más prestigiosos del país, la publicidad respecto mi postura, ya plenamente institucionalizada, pasa a los teletipos y a la mayoría de los medios de comunicación como la postura oficial. ¿No son encantadores? Pero ahí no termina el asunto. Un somero vistazo a los ponentes del curso revela el alto porcentaje de directivos y señalados socios de SGAE anunciados en el encuentro, así que si durante los proximos días vuelven a oír hablar de lo malita que está la Cultura, ya saben de dónde vienen estos lodos…