30 octubre 2008

Mika, el finlandés y sus amigos

"Hemos reventado la manera de hacer una película"

El finlandés Mika Kaurismaki rodó la película Los tres reyes magos en cinco días y ahora la presenta en la Seminci

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GONZALO DE PEDRO - Valladolid - Público.es 28/10/2008 20:31

Algunas películas nacen de caros estudios de mercado. Los tres reyes magos, del finlandés Mika Kaurismaki, nació hace un año, una noche de borrachera. Al calor del vino, Mika y sus amigos actores idearon una película rodada en cinco días, en la que todos escribirían el guión en directo, saltándose “las normas de financiación y producción para trabajar con libertad y en secreto”. Mika, que ha presentado esta cinta en la Seminci , insiste en que Kari Heiskanen, uno de los protagonistas, debe estar en la entrevista.

La película está dedicada al rey del indie, Cassavetes, ¿por qué?

Mika: Cassavetes estuvo desde el principio como un referente por su manera de rodar y de involucrar a los actores en el proceso de escritura. Antes que el tema, teníamos el método, pero sabiendo que ese método nos llevaría a algún lado.

¿No teníais nada escrito?

Mika: Teníamos los personajes, y cada uno de los actores conocía exclusivamente a su propio personaje, pero no sabía nada de los demás. Sólo yo controlaba a todos, sabía dónde podían cruzarse y a dónde podía llevarles. Jugué mucho con eso y, cuando aparece una mujer al final, nadie sabía que iba a aparecer.

Kari: Yo pensé que alguien se había dejado abierta la puerta del bar donde rodábamos, y que se había colado. Pero seguí actuando y mi personaje, que es un Don Juan, se acercó a ella.

¿No le parece que rodar saltándose la industria es casi un acto subversivo?

Kari: Sí, es un gesto político porque nos hemos saltado todos los procesos industriales, hemos reventado la manera de hacer una película.

Mika: Estoy muy contento con el resultado, porque cuando empezamos no sabíamos a dónde íbamos a llegar, si iba a ser una película capaz de exhibirse.

La película produce el efecto de asistir a una pequeña función de teatro.

Mika: Es muy íntima. Si hubiésemos tenido varios escenarios, atrezzo, iluminadores, etc., habríamos acabado haciendo una película convencional.

Kari: Al no estar escrito el papel, el actor debe profundizar mucho más. Y cuanto más profundizamos, más universal se hace la película, porque los sentimientos son universales.

¿Es la película un extraño cuento de Navidad, incluso, con un puntito de esperanza final?

Mika: Sí, realmente es optimista. De alguna manera, todo se arregla. Desde el comienzo tuvimos claro que tenía que terminar con un bebé. Es una historia de Navidad: ¡Así que tiene que haber un nacimiento!

Escritura colectiva

Libros contra la industria cultural

El colectivo literario italiano Wu Ming, heredero de Luther Blissett, defiende la cultura libre desde el pseudoanonimato

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Libros contra la industria cultural
La mano de Wu Ming 1 sostiene su libro en un bar de El Raval barcelonés. - josé colón
TONI POLO - BARCELONA - 30/10/2008 08:00

Wu Ming 1 no da la cara. No es que se esconda: "Somos transparentes hacia los lectores, opacos hacia los medios", advierte, negándose a salir en ninguna foto. Habla del colectivo Wu Ming (anónimo, en chino), un grupo de cuatro escritores que firman con ese "pseudo-pseudónimo" y han escrito tres novelas entre todos, a parte de las que firma cada uno de ellos individualmente.

"Somos como una banda musical: está la orquesta y están los solos". Escriben en comuna: todos saben hacer de todo, todos escupen ideas y estilos en las obras corales y revisan los textos y aconsejan en los solos. Se comparan a la selección holandesa que revolucionó el fútbol en los setenta: "Ellos no ganaron ningún Mundial, pero revolucionaron la cultura del fútbol".

El martes pasado Wu Ming 1, cuyo nombre es (y no lo esconde) Roberto Bui, recogió, en nombre del colectivo, el premio de literatura en la gala de los oXcars, en favor de la cultura libre.

Pero la aventura tiene sus orígenes hace casi 15 años, cuando se creó una auténtica network en Europa con un objetivo claro: "Desencadenar un infierno sobre la industria cultural". Para ello, construyeron a un héroe imaginario, un Robin Hood que robara a los intermediarios, a las sociedades de gestión, para premiar a los artistas. El héroe imaginario fue un grupo de centenares de artistas de todo tipo, bautizado como Luther Blissett, tomando prestado el nombre de un pésimo jugador inglés del Milan de los ochenta.

Luther Blissett se creó en 1994 desde Bolonia, donde residió el comité central, "el único cuya finalidad es perder el control, en lugar de mantenerlo", dice Bui. Era la época del final de la primera república italiana. Berlusconi, magnate de la comunicación ("no era ninguna metáfora, era así"), diana de los artistas libertarios, estaba al acecho.

Triunfo parcial

Tras 15 años de campañas artísticas, acciones, movilizaciones, Bui considera que algo han conseguido. "Una editorial como Mondadori ha aceptado nuestros principios de copyleft, eso es importante". Sólo en Italia más de 400 artistas formaron como Luther Blisset. En 1999, el colectivo Wu Ming tomó el relevo. "Despedimos a Blissett con la novela Q,en 1999, una alegoría de la sociedad de Internet que está irrumpiendo ahora ubicada en la Europa de la Contrarreforma, cuando nació la imprenta". Siguieron 54, y en breve, Manituana.

Bui presenta hoy en el Ateneu Candela de Terrassa y mañana en la librería Traficantres de sueños, en Madrid, su libro, New think (Acuarela), por supuesto, de libre reproducción. No lo define como novela. "Es un objeto narrativo, la simulación de un libro de historia oral". De hecho, lo componen testimonios que, leídos en su conjunto, cuentan una historia sobre las misteriosas muertes de unos músicos de jazz en el Brooklyn de los años sesenta.

Es un trabajo documentadísimo que relaciona el jazz con el partido de las Panteras Negras y con los planes secretos de contrainsurrección del FBI para acabar con ellas. Por supuesto, tiene una lectura en clave italiana: "Es una alegoría de los movimientos redicales italianos de los años setenta, reprimidos con los mismos métodos por el Estado". El lector español, "por fuerza, ubicará la metáfora en la Epsaña de los GAL".

Google ya cuenta con el apoyo de los autores americanos

Los autores de EEUU firman un acuerdo con Google para digitalizar libros

Los usuarios podrán ver gratis hasta un 20 por ciento de la obra y, si quieren ver más, tendrán que pagar

  • ADN.es, Madrid | 29/10/2008 | comenta | Votar

Google ha alcanzado un acuerdo histórico con autores y editores para que millones de libros estén disponibles en internet en un trato que incluye un pago de 125 millones de dólares y el final de un juicio que ha sido ya archivado por las compañías, incluida Penguin.

El acuerdo, parte del cual está sujeto a la aprobación por el tribunal de distrito de New York, llega después de dos años de negociaciones entre las partes y marca el final de dos juicios contra la herramienta de búsqueda de libros de Google.

Este trato pone fin a una demanda masiva presentada por la asociación de autores en septiembre de 2005, retando los planes de Google de digitalizar, buscar y mostrar fragmentos de libros con copyright y compartir copias digitales con bibliotecas sin un permiso explícito.

Google está digitalizando los fondos de algunas de las principales bibliotecas de Estados Unidos, entre ellas la biblioteca pública de Nueva York y las de las universidades de Stanford y Harvard.

Authors Guild, que representa a más de 8.000 autores, demandó a Google hace tres años alegando que el proyecto de digitalización era una masiva infracción de los derechos de copyright.

De acceso gratuito

El nuevo acuerdo permitirá a Google poner a disposición de los internautas páginas enteras de las obras que está digitalizando. Los usuarios podrán ver gratis hasta un 20 por ciento del libro y después decidir si quieren adquirir el resto, explicó la firma.

Además, todas las bibliotecas de EEUU ofrecerán un portal en internet de acceso gratuito a la colección de obras digitalizadas por Google y sus usuarios podrán realizar impresiones a cambio del pago de tasas. El buscador ofrecerá además suscripciones institucionales a colegios y universidades.

De esta manera, Estados Unidos tendrá acceso online a millones de materiales con copyright y a otros materiales escritos a través del buscador de libros de Google.

Los titulares de los derechos podrán controlar los precios de los contenidos online y el acceso a los libros.

Sergey Brin, cofundador de Google, denominó el acuerdo como un "gran salto" en el esfuerzo del gigante motor de búsqueda por organizar la información del mundo.

El acceso libre estará disponible para las bibliotecas que participen siempre que paguen una cuota. Hay más de 16.000 bibliotecas en Estados Unidos.

Las bibliotecas de las universidades de California, Michigan, Wisconsin y Stanford han proporcionado su aportación al acuerdo y pondrán su colecciones al alcance del público.

"Organizar la información mundial"

"Es un duro trabajo escribir un libro e incluso es peor conseguir que te paguen por ello" dijo Roy Blount Jr., el presidente de la asociación de Autores. "Como autores, pues, agradecemos cuando se paga por nuestro trabajo. Es lo normal"

"Este acuerdo histórico hace que ganemos todos", dijo Richard Sarnoff, presidente de la Asociación Americana de Editores, en un comunicado.

Por su parte, Sergey Brin, cofundador y responsable de tecnología de Google, señaló que la misión del buscador es "organizar la información mundial y hacerla universalmente accesible y útil".

"Junto a escritores, editores y bibliotecas hoy hemos logrado dar un gran paso en esta tarea", afirmó.

Y la EXgae organiza los OXcars

Y el oXcar va para... alguien que no tiene copyright


Barcelona acoge la primera versión de los premios oXcars, siete horas consecutivas de celebración por la cultura de circulación libre

  • Ángela Precht, Barcelona (Adn.es) | 27/10/2008 | 4 comentarios | Votar

Los Oxcars será el pistoletazo de salida de una semana celebrando la cultura compartida.
ADN.es
Vea este vídeo en gran formato en ADN.tv

Un centenar de artistas formarán parte de la gala de los oXcars, los premios que reivindican la libre creación artística, el intercambio gratuito y el consiguiente uso de la redes digitales sin penalizaciones indebidas.
La fiesta, que se celebra el martes 28 en la Sala Apolo de Barcelona, cuenta con un total de dieciséis actuaciones musicales, teatrales y performances durante siete horas desde la ocho y media de la tarde.
"En vez de utilizar proclamas y textos teóricos, explicaremos las medidas que proponemos para proteger e impulsar la sociedad del conocimiento, a través de performances y música", explica Simona Levi, del colectivo teatral Conservas que, junto a EXGAE, han organizado el evento.
EXgae, una paradodia de las siglas Sgae, nació en mayo de este año como una plataforma de asesoría jurídica sobre derechos de autor, licencias, canon, copia privada, P2P, entidades de gestión, derechos de emisión y otras consultas relacionas con la sociedad digital. Desde su creación hasta ahora han acogido más de veinte mil consultas de personas afectadas tanto por las leyes del derecho de autor como por las entidades que las gestionan, como la Sgae.
Premiados de la noche
Los premiados en esta primera gala forman parte de la maratón de espectáculos por la cultura libre. En la categoría Música y Espectáculo Audiovisual estará a cargo de Matt Black, mitad de Coldcut junto a Jonathan More y cofundador el sello británico independiente Ninja Tune. Black será uno de los protagonistas del gran concierto.
El premio Demanda Segura recaerá sobre el gran bufón contracultural, el italiano Leo Bassi. En literatura, los ganadores son Wu Ming Foundation, algunos antiguos integrantes de esa maravilla que fue Luther Blisset, una identidad que unificaba a un colectivo de escritores y activistas que optaron por firmar tras ese nombre. 54 y The Old New Thing son libros que han dejado para el goce público y que merecen la pena este reconocimiento.
El premio Galileo Galilei ha recaído sobre Pablo Soto, un programador español que actualmente enfrenta una demanda por parte de las filiales españolas de Warner, Universal, EMI, Sony BMG y Promusicae por más de 13 millones de euros por daños y perjuicios al ser el pionero en la creación de redes P2P. La participación de Soto no será presencial, sino a través de un streaming desde San Francisco.
Redes y cine

En la Categoría Mercados de futuro, el premio recae sobre 127 y Enrique Sierra responsable de hacer un punto de encuentro entre creadores para exponer sus obras y descargarlas a través de la web.
La Blender Foundation ha ganado la categoría de Animación con su programa en código abierto (Blender) puntero en este género artístico. Guillermo Zapata, por su parte, será premiado en la catergoría de Cine. Mal que mal, conseguir más de 77 millones de visitas por un trabajo colgado en YouTube, es todo un prodigio.
Además de la gran gala del martes, la EXGAE y Conservas estarán celebrando una semana de actividades paralelas hasta el 1 de noviembre en la sala Conservas en la calle San Pau 58. La entrada a la gala cuesta 10 euros y está destinada a ampliar la red de asesoría legal anti Sgae de la EXGAE. Los oXcars se podrán ver en directo desde internet.

¿Dónde está el toque andaluz de Arco?

Galeristas andaluces protestan por su exclusión de Arco 2009

Viñas y Pareja declinan la invitación de Torres para estar en el expositor de la Junta
S. C. / Sevilla (Diario de Sevilla) | Actualizado 30.10.2008 - 05:00


La inclusión de una sola galería andaluza en la XVIII feria de arte contemporáneo de Madrid Arco 2009, que se celebrará entre el 11 y el 16 de febrero, ha despertado ya algunas voces críticas, como las del galerista malagueño Alfredo Viñas o el gaditano Ramón Pareja, quienes consideran "un sinsentido" reducir a una representación "muy pobre" en cantidad la creación artística andaluza.

Viñas afirma que sus propuestas no han superado la criba de Arco 2009, que sólo incluye en su muestra oficial la galería del sevillano Rafael Ortiz, a tenor de que la feria "ha tomado unos derroteros completamente distintos", más orientados hacia contenidos "extranjeros" que nacionales. Tal extremo, opina, afecta a las galerías andaluzas porque el tejido en este sector "ha crecido mucho" y, a consecuencia de los nuevos criterios de selección de Arco, "ese crecimiento no tiene una presencia en consonancia".

Pareja, de la galería Gades de Chiclana de la Frontera, reconoce que la no inclusión de las propuestas andaluzas "molesta" a los galeristas porque Arco "no va a representar una vertiente de la creación artística andaluza". Pareja asegura además que Andalucía goza de "artistas extraordinarios" que a consecuencia de cribas como la impuesta por Arco 2009 quedan "marginados" de la feria.

Ambos galeristas han declinado la invitación de la Consejera de Cultura, Rosa Torres, para integrarse en el expositor oficial de la Administración andaluza en la muestra.

Fuera los intermediarios, vamos a saltar barreras

Adiós al intermediario

Libros sin editorial, música sin discográficas, pinturas sin galeristas - El autor busca ahora (y empieza a lograr) el acceso directo al público

JAVIER MARTÍN (El País) 30/10/2008


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A Joaquín Sabina seguro que le preocupa lo mismo que a Federico Aparici: ganar lo máximo con lo que produce. Uno cría canciones; el otro, naranjas; pero los dos reciben las migajas de lo que paga el consumidor. El resto se va aguando en la cadena de intermediarios.
Lo que desde siempre sufre el agricultor con sus tomates y sus cebollas también lo padece el productor de bienes culturales. Naranjaslola.com, Telechirimoya o Campodeelche han modificado la cadena agrícola. El mundo de la cultura y el espectáculo comienza a despertar.
Radiohead publicó su séptimo álbum, In rainbows, el 10 de octubre. Sin discográfica que les atara, el famoso grupo británico colocó el disco en Internet. Sus fans lo compran al precio que estiman oportuno. En una semana se han descargado tres millones de copias, un éxito popular y, probablemente, un fracaso económico.
Shane Richmond, analista del diario británico The Telegraph, escribió sobre el fenómeno: "Las discográficas hicieron enormes beneficios sobrecargando el precio que pagaba el consumidor, y malpagando a los artistas. Ahora las discográficas no añaden nada a la cadena de valor de la música grabada. De hecho, actúan como una barrera entre los músicos y sus fans. Es la hora de salirse de ese sistema. Radiohead nos ha enseñado cómo".
Antes del último bis, los fans de 08001 tienen en la salida el disco calentito con la actuación. "El merchandising directo es lo que nos deja más margen porque nos saltamos intermediarios", explica Julián Urigoitia, líder de 08001. El grupo tiene su propia discográfica, Working Progress, en un intento de saltarse procesos. "Intermediarios siempre hay. Nada más fabricar el disco ya pagas a las SGAE, da igual que luego lo regales; tú pagas a las SGAE". 08001 no renuncia a ninguna forma de distribución: la tienda, las descargas desde su página o desde iTunes.
El ideal Yo me lo guiso, yo me lo como, lo practica Pere Meroño. "Fui a 10 editoriales y todas rechazaron mi libro. Entré en Lulu.com y me lo autoedité. El 80% del precio me lo llevo yo, el 20%, Lulu. Un trato justo".
Este funcionario rastreó la vida de Rosario Endrinal, la mendiga asesinada por chicos bien en un cajero de Barcelona, y escribió una biografía de la víctima, El crimen del cajero automático. Meroño ha valorado su libro de papel en 9,99 euros; el libro de bites, gratis. "Las compras apenas superan varias docenas", reconoce, "pero yo lo cuento todo junto, ventas y descargas gratuitas, porque lo que quiero son lectores".
"Ciertamente hay miles de personas que se autoeditan en la Red, y muchos más que saldrán, pero luego es necesaria la promoción", explica Blanca Rosa Roca, editora de Tigre Blanco, último premio Booker. "¿Quién traduce? ¿Quién apuesta por un nuevo autor? No creo que vayamos a desaparecer".
El experimento de Meroño -saltarse intermediarios- lo puso en marcha Stephen King en el año 2000. Con el cambio del milenio, el escritor aterrorizó a la industria editorial vendiendo en Internet su novela The Plant, a un euro por capítulo, con carácter voluntario. Si pagaba el 75% de los lectores, escribiría el siguiente, y así hasta el final. King no llegó al segundo capítulo. Según The New York Times hubo 120.000 descargas del primer capítulo, y un 46% de pagos.
El fracaso de King o el voluntarismo de Meroño no ocultan dos hechos trascendentales en la nueva cadena de valor del libro. La mayor editora del mundo no se llama Mondadori, sino Lulu.com (en lo que va de año ha editado 281.416 libros, 9.325 en España); la mayor librería del mundo no es Fnac, sino Amazon.com (con 250.000 títulos); y la mayor distribuidora del mundo también será alguna de Internet. "Ahí sí que tendremos que hacer algo conjunto las editoriales españolas", dice Roca. "Un Amazon para la lengua española, alguien que te mande el libro a casa o donde te lo descargues en tu pantalla electrónica".
Dentro de una década, los ingresos por ventas de libros electrónicos superarán a los de papel, según el 40% de los editores encuestados en la feria de Francfort; algo que sólo piensa el 16% de editores españoles, según el estudio Digitalización del libro en España, realizado en octubre por Dosdoce.com y Ediciona. Librerías (49%) y distribuidores (30%) serán los más perjudicados. "Todas las empresas que tengan como base la gestión de contenidos y su comercialización a través de intermediarios sufrirán una transformación de su modelo de negocio", vaticina Dosdoce.
El arranque de Radiohead o de Meroño para saltarse barreras, lo tuvo hace unos meses el escultor Damien Hirst. Pasó, según explicó, de sus galeristas, y subastó obra en Sotheby's. "Acepto el desafío de vender así mi obra. El mundo está cambiando, y quiero saber adónde conduce este camino", dijo Hirst. Recaudó 140 millones de euros por 223 de sus ocurrencias. Por primera vez un afamado artista ofrecía obra reciente sin mediación del marchante.
"El rol del galerista no queda anulado por hechos como el de Hirst", dice Carlos Durán, presidente de los galeristas de Barcelona y propietario de la sala Senda. "El artista necesita al galerista para la difusión de su obra, para su validación; necesita el trato personal, el ascendente, su cartera de clientes. El galerista no es sólo un exhibidor, también tiene un factor muy importante de representante".
Rosina Gómez-Baeza, directora del Centro de Arte Laboral de Gijón, no cree en la eliminación de ninguno de los eslabones de la cadena comercial del arte. "Más bien se complementan. Las subastas van bien para obras concretas y para determinar el valor de una obra o del artista. La galería tiene una función fundamental de promoción y descubrimiento de nuevos valores".
Iban Navarro cuelga sus cuadros en Artelista.com. "No le dije a mi marchante que lo había hecho, pero cuando se enteró tampoco se molestó mucho. Vendo más en galería; Internet es mejor para contactos. Me ha salido un marchante en Miami y ofrecimientos de varias galerías para exponer".
Artelista, a diferencia de portales como ArteLibre o PicassoMio, no es un almacén de obra, sino un lugar de contactos entre la oferta y la demanda. "El proceso de venta se hace fuera de la página, al margen nuestro", explica su director Óscar Ribas. En Artelista se exponen 311.000 obras de casi 50.000 artistas. Gracias a su intermediación, desde que abrió Artelista en 2004 se han vendido 32.454 obras, la mayoría en torno a los 300 euros.
"No cobramos a ningún particular. En el futuro abriremos un espacio para que expongan las galerías, que serán las que paguen por estar aquí. Es un modelo de negocio tipo freemium, unos pocos pagan por el resto".
Desde hace ocho años Iban Navarro vive de su pintura. "No hay mejor herramienta de contacto para un artista que Internet. También las ganancias son mayores en Internet. Aparte del envío del cuadro, el resto de la venta es limpio. En las galerías se quedan entre el 25% y el 35%, aparte de los gastos de promoción".
El cine más próximo a tu casa se llama YouTube. Entre miles de películas ahora proyecta la penúltima de Wayne Wang, La princesa de Nebraska. En las salas españolas recogió excelentes críticas y 3.000 espectadores. Por YouTube han pasado 165.000; gratis, eso sí.
"Internet es la ventana del cine independiente", dice el realizador Nacho Vigalondo. "Es impensable acceder a televisión y a otros medios con continuidad y constancia. Cada vez hay más dinero para unas pocas películas y menos para el resto".
Diez productores, distribuidoras y exhibidoras españolas se lo han visto venir y se han unido para montar su propia sala en Internet, Filmin.es. Ahí se estrenó, a la vez que en la calle, Un tiro en la cabeza, de Jaime Rosales. "Nuestra intención no es competir con los cines", explica Jaume Ripoll, portavoz de Filmin, "sino seguir la vida natural de la película: la sala de cine, luego el DVD y ahora Internet".
No habrá leyes ni fronteras que paren a Internet. Como dice Vigalondo, "Internet no es una opción; es una necesidad". Los naranjeros Aparici lo entendieron hace 10 años. "Gracias a Internet ahora nos queda libre el 20% del precio final".


El arte interactivo


Cada vez más el arte está demandando la participación del espectador que ya no se va a limitar tan sólo a mirar. La recientemente inaugurada Biacs de Sevilla es una buena prueba de ello, y por esta razón, la Fundación Cajasol ha querido sumarse al espíritu participativo de la Biacs, inaugurando una exposición que se titula «El color, el tiempo de los ritmos».
La muestra, que está comisariada por Concha Ramos, presenta obras de Manuel Salinas, José Soto, Gerardo Delgado, Raúl Belinchón, Luís Gordillo, Jaime Burguillos, José Ramón Sierra, José Piñar, José Mª Bermejo, Garikoitz Cuevas, Robert Polidori, José Guevara, Alejandra Freymann y Emilio Parrilla.
El nuevo proyecto de Escala explora el color como un elemento novedoso y necesario para despertar en el espectador diferentes reacciones dentro de la museografía contemporánea. Pero lo novedoso de esta muestra es la interacción, pues a través de la página web de Cajasol, www. cajasol.es, se ha instalado «banner» para que cualquier persona, desde cualquier lugar del mundo tenga acceso a la muestra.
El visitante manda
El espectador va a poder de manera virtual, a base de filtros y colores, cambiar las salas e incluso musealizar las mismas desde su casa. «Y, además, se van a recoger la sugerencias de los espectadores para cambiar las salas del Espacio cuatro veces. Lo haremos con filtros, baños de pared etc., pero se cambiarán desde la inauguración hasta el día 28 de diciembre».
Las obras de esta muestra tienen algunas características importantes. Además de poderse contemplar obras de autores poco expuestos en los últimos tiempos como Jaime Burguillos, Pepe Soto, Gerardo Delgado o José Ramón Sierra, se exponen también obras del onubense residente en Italia, José Guevara, representante español en la Bienal de Arte de Venecia en los años cincuenta.
Jóvenes artistas como Alexandra Freymann, cuya obra compró la Fundación Cajasol en el pasado Arco, se sitúan junto a consagrados como Luis Gordillo, con un acrílico sobre cartón de los años 90, o Manuel Salinas, del que se expone un gran cuadro comprado por la Fundación hace dos años en la subasta de Arte y Gestión.
Junto a ellos, obras de José Piñar y una escultura de Emilio Parrilla, empotrada de forma atípica en una pared.

El arte interactivo


Cada vez más el arte está demandando la participación del espectador que ya no se va a limitar tan sólo a mirar. La recientemente inaugurada Biacs de Sevilla es una buena prueba de ello, y por esta razón, la Fundación Cajasol ha querido sumarse al espíritu participativo de la Biacs, inaugurando una exposición que se titula «El color, el tiempo de los ritmos».
La muestra, que está comisariada por Concha Ramos, presenta obras de Manuel Salinas, José Soto, Gerardo Delgado, Raúl Belinchón, Luís Gordillo, Jaime Burguillos, José Ramón Sierra, José Piñar, José Mª Bermejo, Garikoitz Cuevas, Robert Polidori, José Guevara, Alejandra Freymann y Emilio Parrilla.
El nuevo proyecto de Escala explora el color como un elemento novedoso y necesario para despertar en el espectador diferentes reacciones dentro de la museografía contemporánea. Pero lo novedoso de esta muestra es la interacción, pues a través de la página web de Cajasol, www. cajasol.es, se ha instalado «banner» para que cualquier persona, desde cualquier lugar del mundo tenga acceso a la muestra.
El visitante manda
El espectador va a poder de manera virtual, a base de filtros y colores, cambiar las salas e incluso musealizar las mismas desde su casa. «Y, además, se van a recoger la sugerencias de los espectadores para cambiar las salas del Espacio cuatro veces. Lo haremos con filtros, baños de pared etc., pero se cambiarán desde la inauguración hasta el día 28 de diciembre».
Las obras de esta muestra tienen algunas características importantes. Además de poderse contemplar obras de autores poco expuestos en los últimos tiempos como Jaime Burguillos, Pepe Soto, Gerardo Delgado o José Ramón Sierra, se exponen también obras del onubense residente en Italia, José Guevara, representante español en la Bienal de Arte de Venecia en los años cincuenta.
Jóvenes artistas como Alexandra Freymann, cuya obra compró la Fundación Cajasol en el pasado Arco, se sitúan junto a consagrados como Luis Gordillo, con un acrílico sobre cartón de los años 90, o Manuel Salinas, del que se expone un gran cuadro comprado por la Fundación hace dos años en la subasta de Arte y Gestión.
Junto a ellos, obras de José Piñar y una escultura de Emilio Parrilla, empotrada de forma atípica en una pared.

27 octubre 2008

No obras de arte, si artistas

Lunes, 27-10-08
Desde que Ivo Mesquita, comisario de la 28ª Bienal de Sao Paulo, anunciara hace ya un año que iba a vaciarla de obras de arte, la polémica, dentro y fuera del país, no ha cesado. Ayer abrió sus puertas en el impresionante edificio construido por Oscar Niemeyer, de sinuosas y sugerentes curvas blancas, en el Parque Ibirapuera de la ciudad brasileña. Esta histórica bienal de arte, la tercera más antigua del mundo, que nació en 1951 y que en su segunda edición exhibió el «Guernica» de Picasso, trata de reinventarse, aunque corre el riesgo de «morir» en el intento. La apuesta es muy arriesgada. Nada de colgar cuadros en las paredes, ni poner esculturas en peanas. Eso ya es historia.
Mesquita, director de la Pinacoteca del Estado de Sao Paulo -donde acaba de inaugurar una muestra Cristina Iglesias- explica el porqué de su osado proyecto: «Hay dos centenares de bienales en todo el mundo y todas tienen problemas. El modelo está agotado. Venecia es el museo de las bienales: acoge el arte consagrado en pabellones nacionales. La de Sao Paulo siempre atendió al arte más emergente y vanguardista. Se puso en marcha porque se quería hacer de esta ciudad un gran centro cosmopolita de arte, que los artistas brasileños entraran en contacto con el resto del mundo. Pero todo eso ha cambiado hoy: hay seis museos en Sao Paulo y más de treinta galerías. La misión con la que nació esta bienal ya se ha conseguido».
Advierte Mesquita que «en una época voraz de creación y consumo como ésta es necesario pararse a pensar hacia dónde vamos». Su idea es crear una especie de ágora griega, una gran plataforma para el encuentro, la reflexión y discusión sobre el sistema de las bienales de arte en el circuito artístico internacional. Y para ello ha ideado unas estrategias de debate político-cultural y un trabajo crítico y de investigación a partir de la propia experiencia de la Bienal de Sao Paulo en sus 27 ediciones anteriores. No habrá obras de arte concebidas tradicionalmente, aunque sí artistas.
Un gesto radical
El edificio de Niemeyer, de 30.000 metros cuadrados, tiene tres plantas. La primera se ha ideado como una gran plaza abierta a la ciudad, que se convertirá en un territorio de experimentación e interacción social, con espacios efímeros para cine, teatro, música, danza, performances... Se espera que ocurran cosas con cierta espontaneidad y que atraiga a la mayoría de la gente que acude al Parque Ibirapuera pero que jamás ha pisado la bienal. «Queremos que la ciudad entre en la bienal -apunta Mesquita-. ¿Cómo presentar pinturas en este contexto? Hay que repensar el actual formato de exposición, cuestionar su existencia». El gesto más radical se ha llevado a cabo en la segunda planta, que quedará completamente vacía: el bello espacio de Niemeyer, al desnudo, será el gran protagonista: «Funcionará como un lugar liberador de energías». Y en el tercer piso se ha instalado una gran biblioteca: constará de un archivo completo de la historia de esta bienal e información de las demás, un auditorio, salas de reuniones y de lectura, habrá acceso a internet, espacios interactivos... Se ha invitado a artistas para que intervengan y discutan, pero no será un espacio exclusivo para ellos.
«Los museos y galerías ya tienen sus exposiciones. ¿Para qué volver a colgar arte dentro de la bienal si ya está fuera? -se pregunta el comisario-. Pretendo provocar con este gesto, generar una discusión. Sé que fui muy pasional al tomar esta decisión. Pero la gente acaba yendo a las bienales sin expectativa alguna. Van como si fuera una obligación. No hallan sorpresas; no ocurre nada. Acostumbrados a ver los espacios llenos, surgirán preguntas al verlos vacíos. Será una especie de exposición virtual, una instalación, donde se promoverá la discusión y el debate; una crítica de las bienales desde una de ellas».
En la última edición hubo 850.000 visitantes. ¿No es demasiado arriesgada su propuesta? ¿No teme que el público le dé la espalda? «Se ha generado mucha expectación. El márketing ya está hecho. Sé que ver este espacio vacío será polémico. pero es una estrategia pensada. Quizá nos haga mejores en el futuro», responde Ivo Mesquita. Habrá quien vea esta bienal como una instalación conceptual más, en la que el propio comisario actúa como un artista más. «Esperaba las críticas. Han sido muy duros conmigo, pero yo creo en mi propuesta. Estoy muy seguro de ella. Mi tesis doctoral fue sobre la bienal. Por eso la conozco muy bien. Y es preciso sacar el arte de la bienal para que se salve. Perdimos el sentido de la mirada», apunta Ivo Mesquita. Renovarse, sí, pero ¿y si se muere en el intento?

El libro digital puede acabar con las librerías

La digitalización del libro inquieta a las editoriales, según un informe

El 69% de los sellos encuestados considera prioritario adaptarse a la difusión 'online'

EP - Madrid - 27/10/2008

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La digitalización del libro se está convirtiendo en una de las áreas de máxima preocupación por parte de las editoriales españolas. Ésta es una de las principales conclusiones del estudio Digitalización del libro en España realizado por Dosdoce.com y Ediciona entre profesionales del sector del libro. Según el informe, el 69% de los encuestados considera que la principal prioridad de las editoriales ante el reto de la digitalización del libro es la definición de su modelo de negocio online

La noticia en otros webs

Esta decisión no sólo conlleva seleccionar un buen proveedor que digitalice todo el fondo y a un precio competitivo, sino llevar a cabo una transformación general de la editorial, de su estrategia de producción y distribución, de sus futuras políticas de marketing y comercialización de sus libros y hasta del propio mercado. El 57% de los encuestados considera que ambas tecnologías (papel y electrónica) convivirán. Tan sólo un 15% de los profesionales del sector opina que los libros electrónicos llegarán a imponerse sobre los libros en papel.

Sin embargo, hay desacuerdo entre los profesionales españoles y los europeos acerca de la principal vía de ingresos dentro de 10 años. Según una encuesta a 1.000 profesionales del sector del libro de 30 países, realizada por la organización de la última edición de la Feria de Frankfurt, el 40% de los encuestados opina que los ingresos derivados de la venta de libros electrónicos superarán dentro de una década en volumen de negocio al papel.

Por su parte, el 48% de los profesionales del sector del libro encuestados durante la pasada edición de LIBER considera que la principal vía de ingresos de las editoriales españolas en el año 2020 seguirá siendo los libros en papel. En España, tan sólo un 16% piensa que los libros electrónicos se convertirán en la principal vía de ingresos.

Negocios on-line

Entre otras conclusiones, el estudio -siguiendo el ranking de prioridades- afirma que el 48% de los encuestados opina que, después de la definición de su modelo de negocio online, la segunda decisión más importante que deben tomar las editoriales en los próximos meses es invertir en formación de sus equipos para ponerse al día sobre el impacto de las nuevas tecnologías en sus negocios.

La futura negociación de los derechos digitales de las obras pertenecientes a sus respectivos fondos ocupa el tercer lugar en el ranking de prioridades de los profesionales del sector del libro. Aunque existen ya en el mercado español varias editoriales que comercializan contenidos técnicos y educativos en formato digital, el 49% de los encuestados considera que en 2009 un mayor número de editoriales se sumará a la comercialización de sus contenidos en formato electrónico. Tan sólo un 3% piensa que este formato no llegará a implantarse en el mercado español hasta el año 2020.

El 44% de los profesionales encuestados considera que el principal beneficiario de la digitalización del libro es el lector, mientras que las librerías serán las principales perjudicadas, según el 49% de los encuestados.

Artistas qué? artistas emergentes

Lunes, 27-10-08
Iván Tovar _ Creador

Pastillas efervescentes que aseguran el éxito inmediato, cuatro modelos a elegir de muñecos-hombres perfectos, un set de bautismo del artista emergente e, incluso, el proceso creativo que desencadenó la muestra exhibida en la Weber Lutgen, videoarte que puede verse en el baño de la galería. Todo está en venta. Hasta las estanterías y pies donde ha colocado las piezas. La sala de la calle Fray Diego de Cádiz bien podría asemejarse ahora a cualquier tienda especializada del centro de la ciudad. Es el camino escogido por el joven sevillano Iván Tovar, creador de las piezas expuestas en «Intervenciones sobre objetos previamente prefabricados». Una crítica feroz al comercio, al consumo, a la compra-venta generalizada y cómo afecta al mundo del arte. Para ello, el artista sigue las reglas del marketing en toda la exposición. Hasta el catálogo está diseñado como propaganda publicitaria, semejante a la tan habitual en el buzón de cada casa.
A sus treinta años, tras estudiar Bellas Artes en su ciudad natal, Iván Tovar decide romper con su vida anterior, pictórica y escultórica, cambiando pinceles y caballete por objetos: «Jesús Algovi ha sido mi maestro. He tenido la suerte de encontrarle y que me apoye en este tipo de trabajos». Actualmente colabora con el jerezano en su Escuela de Arte Acción Directa, instalada en Sevilla.
Uno de los discursos que persigue la exposición es una crítica a las dificultades de los artistas denominados emergentes, término tan de moda ahora: «Saltar del anonimato al reconocimiento empezando en una galería profesional. La performance con la que inauguré la exposición tocaba este aspecto. Un bautismo, que no tiene nada que ver con la religión. Lo rescato como icono referencial o ritual que da la oportunidad de nacer en otro tipo de mundo. Veo muy relacionado el término emergente con ese salir de las aguas». En torno a esta performance, para la que utilizó una pila aún en la galería y un texto creado para la ocasión, crea «Set de bautismo del artista emergente», como crítica al comercio. «Hoy todo se vende, así que incluye mi propia indumentaria como artista emergente (camiseta con «L» de «en prácticas», propia de las autoescuelas) y agua del bautismo. Busco ese sentido comercial y, a la vez, crítico».
Tovar analiza en su exposición el Éxito Instantáneo. Para ello, exhibe y vende tubos de comprimidos efervescentes que «permiten olvidar el esfuerzo que sería necesario para alcanzar una meta. Actualmente hay quien consigue fama sin necesidad de esfuerzo. Es una pastilla inocua, un placebo, únicamente psicológico. El éxito en pastillas».
Con «El hombre perfecto» pretende una crítica social que parte de un tipo de hombre, abarcable a muchos más. Estos muñecos se dividen en cuatro tipos: Básico, Muy Macho, Amigo y Artista. Cada uno posee en su caja características propias; así, el Básico incluye amor, dedicación y compromiso, mientras que el Artista cuenta con la creatividad, originalidad e inspiración». Precisamente en sus envoltorios es donde el observador podrá aprovechar más su visita, pues la exigencia por el detalle de Tovar se presenta en el cuidado con el que completa sus piezas. Incluso las cartelas que acompañan a cada objeto, explicando técnica y material utilizado, ofrecen guiños. Muñecos, botes de pastillas...todas las cajas muestran frases que arrancan una sonrisa. Una crítica suavizada por el sentido del humor: «Por eso prefiero la ironía o el sarcasmo para tratar temas serios; no elijo un punto de vista cómico, doy pinceladas de dulzura para no ser tan cruel».
Completa la muestra un casco de protección y una botas de seguridad peculiares, el «Equipo de protección laboral», útil para «escalar puestos y defenderte de las patadas en la vida profesional».

20 octubre 2008

Fotos celebres de Avedon

La última 'Performance' de Avedon

Truman Capote

Richard Avedon

El libro 'Performance' (Blume) recoge en una cuidada edición lo más destacado de la obra del fotógrafo Richard Avedon. Por su estudio pasaron los personajes más célebres de la segunda mitad del siglo XX, como el escritor Truman Capote (en la foto).

Fotografía de servicio público

Arte en la pared del hospital (clic para ver más imágenes)

Si las paredes de los hospitales británicos pudieran hablar, seguramente lo primero que harían sería dar las gracias a Gina Glover, la fotógrafa que se ha encargado de decorarlas durante años con imágenes pensadas específicamente para cada rincón. Murales de huevos para las clínicas de fecundación in vitro, una original composición de cromosomas (como el de la imagen) para el departamento de genética o, simplemente, una foto de una flor que ayude a escapar, al menos con la mirada, a los pacientes oncológicos. Nacida en Londres, Glover acaba de recibir una medalla de la Sociedad Real de Fotografía del Reino Unido por su aportación a la fotografía de servicio público. (Fotos: Gina Glover) Por Isabel F. Lantigua (El Mundo)

[foto de la noticia]

Libro de papel, libro on-line

El debate sobre la digitalización del libro llegó a Fráncfort

El sector confía en que la edición impresa convivirá con los lectores electrónicos

R. Zuleta (Efe) / Fráncfort (Diario de Sevilla) | Actualizado 20.10.2008 - 11:45


La Feria del Libro de Fráncfort concluyó ayer una edición marcada por la discusión sobre las consecuencias de la digitalización para el mundo del libro y el debate acerca de los posibles efectos de la crisis económica para el sector editorial. Sin embargo, en la Feria todavía no se notan los efectos de la crisis. El número de visitantes creció un 4,2% con respecto al último año, según su director, Jürgen Boos.

Hasta ayer, un total de 236.244 personas ha visitado el certamen. La producción editorial también ha sido inmensa: este año se exhibieron un total de 402.284 títulos, de los cuales 123.496 eran novedades. Pero la mayor parte de los expositores tuvo que tomar la decisión de venir o no antes de que estallase la crisis financiera por lo que, según la mayoría, no se verá hasta el año próximo si hay tendencia a la baja. Eso sí, muchos creen que el sector mostrará estabilidad y que, pese a la crisis, la gente seguirá comprando libros.

Por otra parte, los últimos avances de la digitalización -concretamente los nuevos lectores electrónicos- hicieron que los amigos de los discursos apocalípticos empezaran a formular teorías sobre un posible fin del libro impreso. Sony y Amazon presentaron sus aparatos, que caben en una mano y pesan menos de un kilo, y en los que se pueden almacenar cientos y hasta miles de libros. El desembarco en Europa de esos aparatos ya ha comenzado, pero ningún editor teme seriamente que el libro en papel esté amenazado. La opinión general es que el libro electrónico convivirá con la edición impresa.

Haznos tu el vídeo

Crea el próximo videoclip de Coldplay

La banda idea un concurso para que sus seguidores realicen el vídeo de su canción 'Lost'

OTR/PRESS - Londres - 20/10/2008

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La banda británica Coldplay ha invitado a todos sus seguidores a participar en el concurso que ha puesto en marcha en torno a su próximo single, Lost, incluido entre las canciones de su último álbum, Viva la vida or Death and all his friends. La competición consiste en coger una versión hecha con piano y la voz de Chris Martin que el grupo ha colgado en su página web y realizar un videoclip original para la misma. El ganador del concurso obtendrá un billete de avión y un pase VIP a uno de los conciertos de Coldplay en Londres.

"Sé creativo, haz tu propia propuesta. Usa cualquier medio que te guste, animación, videocámaras, súper 8, historieta, fotografía...", reza el comunicado sobre el concurso que Coldplay ha convocado a través de su página web. Sólo hay dos restricciones: no usar el material de otros ni del grupo.

Los que deseen participar en el concurso deberan acompañar sus montajes con la versión de Lost que está colgada en la página del concurso. El vídeoclip tendrá que ser colgado en YouTube y enviar la URL del mismo a lostvideos@colplay.com antes del 1 de diciembre, fecha en la que el concurso quedará cerrado y a partir de la cual se elegirán las mejores creaciones recibidas. El ganador se conocerá el 5 de diciembre.

Los finalistas tendrán la oportunidad de exhibir sus videoclips en la página web del grupo. El ganador obtendrá un billete de avión, hotel en la capital británica y dos pases VIP para el concierto de la banda británica en el estadio O2 de Londres. Además, estarán acreditados para el backstage y "los mejores asientos del recinto". Lost es una de las canciones incluidas dentro del último disco de Coldplay, que actualmente se encuentra en una gira por Estados Unidos antes de visitar Reino Unido y Japón.

19 octubre 2008

TNT, investigación, teatro y periferia

Domingo, 19-10-08
Abrir las puertas de un centro con 2.500 metros cuadrados, dos salas y un patio mientras coordina una compañía veterana no suele dejar mucho tiempo para nada más. Centrado en su nuevo proyecto, Iniesta ha cumplido un sueño.
-¿Qué posibilidades ofrece el nuevo teatro?
-Muchísimas. Estábamos en Curtidurías en una nave muy limitada con dos salitas, con condiciones precarias. La mayor nos la quitaron por la especulación inmobiliaria. Se usaban mucho para los ensayos de Atalaya. Aquí tenemos espacios libres: aulas, biblioteca, salas...
-Desde sus días en Madrid al frente de La Lejanía, en los 80, eligió olvidar el camino fácil y dedicarse de lleno a la Investigación. Evita las modas y arriesga en sus montajes, ¿qué le atrapa de esta manera de entender el teatro?
-Yo el teatro no lo concibo como un mercado, una profesión exclusivamente o forma de ocio. El teatro es arte y esto implica que la mayor parte del tiempo se dedique a investigar, no a dar un resultado. Cualquier artista se pasa años aprendiendo y meses investigando.
-Ahora abre las puertas de un centro de gran infraestructura, único dedicado a este tipo de teatro en Sevilla...
-No sólo en Sevilla. Es el único centro de investigación teatral en España. Un espacio así en la periferia, no sabemos cómo responderá la gente. De entrada, no nos lo planteamos como una sala alternativa o teatro con cartel semanal al uso, sino por ciclos. Ceñimos la programación a cuatro parámetros: maestros internacionales como Odín Teatret, TTB o Leo Bassi que estarán estos días dentro del ciclo Mitin, que inaugura la temporada. Obras de Atalaya y TNT, porque antes de tener este centro nuestros espectáculos sólo se veían en Sevilla dos o tres veces; la gente del distrito, como espectadores y proponiendo sus espectáculos. Y el Proyecto Imarginario, trabajando con sectores marginales de la sociedad, gente del Vacie. Los martes vienen 20 mujeres gitanas y 20 niños a sus talleres,
-¿Removiendo conciencias?
-De eso se trata. Yo empecé a hacer teatro con Franco vivo y terminábamos en la cárcel porque intentábamos llevar nuestras inquietudes contra ese régimen. Años después intento hacer un teatro comprometido en la puesta del texto y a quién va dirigido.
-TNT es el tercero con mayor aforo en Sevilla y el primero privado en Andalucía...
-La responsabilidad es con el público y con nosotros. La mayor parte del coste del centro parte de nosotros con hipotecas y préstamos de familiares, los bancos no dan ni un euro. Las subvenciones no llegan ni al 50 por ciento de lo que ha costado. Además, dentro de 30 años será un centro para la ciudad y nuestra inversión se va a perder;por eso tiene que ver con las necesidades del público.
-¿Ha visto evolucionar al público en estos 25 años adaptándose a su estilo de propuestas?
-Sí, al público. A los gestores teatrales, no. Hay un retroceso porque hoy prima teatro de cabecera de cartel: un actor conocido de televisión que, salvo excepciones, tiene un nivel bajo en teatro. Eso es lo que llena los teatros hoy en día. Nosotros tenemos un público fiel en Girona, Alicante, Vigo...que hace que Atalaya siga viva.

Sociedad y literatura

Kosmopolis devuelve a los escritores su poder para cambiar el mundo


Del 22 al 26 de octubre, el CCCB reúne a Gao Xingjian, Lou Reed, Coetzee o Donna Leon para hallar la solución a los problemas de la actualidad con la cultura como única arma

  • Agencias, Barcelona (Adn.es) | 17/10/2008 | comenta | Votar

El escritor chino Gao Xingjian se encargará de la inauguración de Kosmopolis.

EFE
Los problemas del mundo y el compromiso de los escritores para hallar su solución centran la Fiesta Internacional de la Literatura Kosmopolis 08, que se celebra en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) del 22 al 26 de octubre.
El director de la cita cultural, Juan Insúa, asegura que este año "se exploran las diferentes maneras en que los escritores asumen las nuevas causas sociales y ecológicas, revisando la vieja polémica entre literatura y compromiso, y también resituando la función de la literatura en un tiempo de cambios inéditos y acelerados".
La inauguración del Kosmopolis la hará el escritor y dramaturgo chino Gao Xingjian con su obra Después del diluvio. Además, su faceta de artista se podrá contemplar en el Centro Cultural del Círculo de Lectores con sus lienzos de gran formato.
El festival reunirá a 130 escritores de 25 países. Entre ellos estará Jon Lee Anderson que hablará de la guerra en Irak o Donna Leon, que dialogará sobre el ecologismo. También está prevista una lectura de J.M. Coetzee con algunos fragmentos de su libro Diario de un mal año; la presencia de Tzvetan Todorov hablando de su libro La Guerra no se acaba o la conferencia Made in Catalunya que ofrecerán Lou Reed y Laurie Anderson desde Nueva York.
El evento se ocupará asimismo de las mutaciones que está viviendo el periodismo debido al impacto de los nuevos medios y la revolución en ciernes que implica la convergencia multimedia a la que asistimos.
La hora de los homenajes
Por otro lado, Kosmópolis recordará al al poeta Agustí Bartra en el centenario de su nacimiento. Se han organizado tres actos para recordar al poeta: un acto íntimo y personal, un debate sobre la modernidad y actualidad de Batra y un acontecimiento más festivo y lúdico.
Otro de los homenajes que se celebrarán es el de J.G Ballard, que se realizará en dos sesiones sobre la influencia de la obra ballardiana en el ámbito latino y la otra centrada en el mundo anglosajón.
Además de tratar los temas sobre los problemas del mundo, se hará un reconocimiento a la relación cómic, literatura y música con las intervenciones de expertos como Edmond Baudoni.
La literatura oral también tendrá importancia con autores como Carlos Andrés Gómez, Etrit Hasler y Silvia Grijalbo.

Fotos de Rock

La historia del rock, contada por las portadas de Wolman para Rolling Stone

Jimi Hendricks, Janis Joplin, Jim Morrison o Tina Turner son los protagonistas de estas instantáneas, captadas a finalesde los sesenta y que ahora se exponen en Salamanca

  • EFE, Salamanca (Adn.es)| hace 22 horas | comenta | Votar

Una de las portadas de Baron Wolman para la mítica publicación musical.

Rolling Stone

Las portadas de la mítica revista Rolling Stone, a través del objetivo del que fuera su fotógrafo desde 1967 y hasta 1970, Baron Wolman, llevan hasta el Festival de Fotografía de Castilla y León, Explorafoto 2008, la historia del rock en vivo.

Yo vi la música, es el título de la nueva exposición inaugurada hoy en el Palacio de Congresos de Salamanca y en la que se recopilan las más de veinte portadas que protagonizaron las instantáneas de Wolman, junto con otras fotografías claves de la revista musical, según ha explicado en su presentación el director de Explorafoto, Javier Panera.

La obra de Wolman, además de por su calidad, merece estar presente en esta edición dedicada al rock porque plasmó con su objetivo legendarios momentos de este estilo y por su ojo creativo pasaron "cantantes y grupos de rock que ya se han instalado en el inconsciente colectivo", como Jimmy Hendricks, Frank Zappa, Janis Joplin o Tina Turner, ha comentado Panera.

Ha enfatizado que "los ojos de este artista han visto la música por dentro, en diferentes conciertos, en festivales como Woodstock, en los que músicos que se convertirían en estrellas pasaron por el objetivo de su cámara".

Enlaces recomendados

Un Wolman creador al que el comisario de la muestra, Rafael López, ha calificado como "una persona maravillosa, con un buen trato, con el que ha sido facilísimo trabajar".

Relación profesional

Para la selección del material de este montaje se han primado las instantáneas relacionadas con la época de fundación de la revista Rolling Stone, en un tiempo en el que el autor se relacionó con las primeras bandas y cantantes mundiales.

Wolman, por su parte, ha restado importancia a un trabajo que abordó "desde la profesionalidad" evitando intimar demasiado con los artistas para plasmar un trabajo lo más objetivo posible.

En este sentido, ha confesado que "la experiencia vivida en la revista fue adorable, aunque duró sólo tres años, porque la vida es como un buffet y hay que probar todos los platos y tuvo que trabajar en cosas diferentes para lograr tocar todos los palos".

Actores sevillanos en el CAT

"Me he hecho hombre en el CAT"

El sevillano protagoniza la nueva serie de TVE 'Guante blanco' y está pendiente del estreno de 2 películas más
Patricia Godino / SEVILLA | Actualizado 19.10.2008 - 05:00
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El actor posa en un muro de la iglesia de Santa Marina, en Sevilla.
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El Centro Andaluz de Teatro, hoy dirigido por Francisco Ortuño, nace en 1988 creado por la Consejería de Cultura y con el impulso de un destacado grupo de actores, directores y dramaturgos andaluces. Veinte años de trayectoria han dado como fruto 48 producciones que han recorrido la región, teatros españoles y algunas salas internacionales, como In Nomine Dei, Troyanas o La reina andaluza, por citar sólo algunos montajes. En ese ambiente entre la realidad y la ficción que se crea en el CAT se enmarcan las leyendas y secretos que se esconden entre sus muros. En las dependencias de la escuela en Sevilla se han registrado hechos paranormales. Los sucesos, que ahora recoge el libro Guía secreta de Sevilla (La máquina china editorial), bien podrían inspirar una película.

De lejos, los jóvenes que se mueven entre cámaras y cables en uno de los patios centrales del Centro Andaluz de Teatro (CAT) de Sevilla parecen un grupo de amigos que juegan a hacer cine. Parecen lo que son. José Luis García Pérez (1972) y su amigo José María Peña protagonizan K, la escalera india, ópera prima de otro colega de correrías, Jesús Carlos Salmerón. El resto del equipo son viejos conocidos del CAT. Esta adaptación libre de la novela El castillo de Kafka es la excusa para juntarse a rodar "en familia y en casa", que es como José Luis llama al centro donde empezó a dar sus primeros pasos como actor.

Le delata la facilidad con que se mueve por los largos pasillos de este antiguo noviciado de jesuitas. El sevillano es capaz de transitar por recovecos y escaleras para encontrar rincones que él sólo conoce. Y allí, entre las tramoyas y decorados de obras que ya son historia, habla de las leyendas de fantasmas y espíritus encantados que circulan en torno a este edificio enclavado en la céntrica calle San Luis. ¿Ficción o realidad? José Luis quiere creer que esas historias son verdad. "Nunca me he sentido sólo aquí", dice con una voz impostada de ultratumba.

Lo que no es ficción es su vertiginosa agenda. Los estrenos que acumula dan fe de ello. Acudirá a la Semici de Valladolid para la puesta de largo de Retorno a Hansala, largometraje dirigido por Chus Gutiérrez que retrata el drama de la inmigración a partir del naufragio real de una patera en las costas gaditanas. Y en clave de comedia llegará pronto a los cines Que parezca un accidente del director Gerardo Herrero (Los aires difíciles), junto a Federico Luppi y Carmen Maura.

Y a sus papeles en el cine y el teatro, cada vez más frecuentes y con mayor peso como el aplaudido montaje de Closer junto a Belén Rueda, se suma su incursión en el mundo de la televisión. Tras la fallida Fuera de lugar, acaba de estrenar en TVE la serie Guante blanco, donde se mete en la piel de un ladrón que le da la réplica a un grande del teatro, Carlos Hipólito, en el papel de un policía obsesionado con darle caza. "En la serie no hay buenos ni malos", se apresura a decir. "No es nada previsible", insiste.

Tampoco José Luis tenía previsto ser actor, de hecho se licenció en Historia y en su familia nadie se dedica a la escena. Lo de entrar un día en el extinto Instituto Andaluz del Teatro fue pura casualidad: "Estaba en el barrio del Pumarejo, al lado de mi casa. Entré un día, me gustó la gente y me quedé. Llegábamos a pasar 18 horas diarias preparando montajes. Y después, de cervezas por el barrio".

El de José Luis, detrás del Arco de la Macarena, es un conjunto de angostas calles de adoquines atravesadas por la calle San Luis, con la plaza del Pumarejo primero y la iglesia de Santa Marina después. En Madrid, donde reside ahora, añora esas rutinas que en la distancia se valoran como joyas de la cotidianidad: desayunos en San Marcos, cervezas en el Pumarejo y copas por la Alameda. Y de vuelta al número 37 de la calle San Luis, el CAT. "Al principio, el centro ocupaba toda la manzana, pero aquí también llegó lo inmobiliario", lamenta. Allí nació su primer montaje profesional, en 1995, con su compañía Digo Digo Teatro: Cuatro y una silla...que son cinco. Fue el punto de partida para una compañía vital para la escena andaluza.

Cuando el protagonista de Cachorro comenzó a formarse en el centro impartían clase, entre otros, Roberto Quintana, Juan Motilla, Juan Carlos Sánchez y Mariana Cordero, un grupo de actores de los años 70 y 80 que creyeron firmemente en un proyecto de formación integral: "Daban la mejor preparación del momento. Se enseñaba a interpretar pero también dirección, escenografía... Y actitud ante la vida. Siempre digo que yo en el CAT me he hecho hombre".

De su magisterio nació una generación de actores andaluces que, tras acumular muchas horas de tablas sobre los escenarios, figuran en la mayoría de créditos de películas y series aclamadas por el público: Paco Tous (Los hombres de Paco), Paco León (Aída), Alex O'Dogherty (Cámera Café), Félix Gómez (Herederos), Mariano Peña (Aída), etcétera. "Somos colegas dentro y fuera de los rodajes, pero sin cámaras ni famosos". Aquí es donde José Luis se pone serio. "No soy actor por lo que, supuestamente, supone serlo: la fama. Lo soy porque es la única manera que tengo de expresar lo que quiero contar". Palabra de actor.